Resulta curioso, aunque no edificante, observar cómo una franquicia cinematográfica sobrevive no solo a su premisa original, sino también a su mismo propósito. Es el caso de “Jurassic World: El Renacer”, la séptima entrega de la saga de dinosaurios más famosa de la pantalla. Intentando orquestar un "nuevo comienzo", acaba aferrándose desesperadamente a los restos fosilizados de sus glorias pasadas.
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El segundo volumen de “Infinity 8” (que recopila la prepublicación original de los comic books nº 4, 5 y 6), la ambiciosa ópera espacial de Lewis Trondheim y Olivier Vatine, se titula “Regreso al Führer” y continúa su viaje a través del bucle temporal explicado en la primera aventura. La protagonista de ésta, Yoko Keren, había recopilado información sobre el cúmulo de macabros artefactos que bloqueaba la travesía del crucero espacial que título a la serie, pero ésta había resultado insuficiente, así que el Capitán de la nave, un imponente alienígena tentacular que flota en un acuario gigante, se ve obligado a ejecutar el protocolo 8, retrocediendo en el tiempo para probar otra estrategia –al hacerlo, él no pierde memoria de lo sucedido en el primer intento-.
Entre abril de 1950 y febrero de 1955, Entertaining Comics revolucionó la historia del medio porque, en lugar de ingenuos superhéroes o inofensivos animalitos, ofreció a sus lectores preadolescentes títulos rebosantes de terror (“Tales From the Crypt”, “Vault of Horror”, “Haunt of Fear”), crimen (“Crime SuspenStories”, “Shock SuspenStories”), ciencia ficción (“Weird Science”, “Weird Fantasy”), guerra (“Frontline Combat”, “Two-Fisted Tales”) y humor satírico (“Mad”, “Panic”); y ello a través de un dibujo impactante, una prosa estremecedora y un nivel de violencia, erotismo y cinismo como no se había visto en el comic hasta el momento.
Pero empecemos por el principio.
El mundo de la historieta de CF española es tan amplio como desconocido y en él pueden encontrarse anomalías fascinantes que desafían los tópicos de su época. Una de ellas fue una muy breve serie de tres cuadernillos publicada por Hispano Americana de Ediciones y titulada “El Descubrimiento del Doctor Brande” o “Las Aventuras del Doctor Brande”, muestra de que en la posguerra sí surgieron tebeos con ambición y calidad. Aunque en su momento quedó inconclusa, hoy está considerada una obra muy relevante del comic patrio y uno de los mejores, si no el mejor, cómic de anticipación y aventura espacial de toda la producción española de la época.
En el periodo durante el cual Lyndon B.Johnson ocupó la presidencia de Estados Unidos, el clima sociopolítico de ese país empezó a olvidar el optimismo de la posguerra, el respeto a las autoridades y la idealización de la familia tradicional. La escalada de la guerra de Vietnam no solo enviaba a miles de jóvenes a un conflicto cuestionable, sino que generaba una profunda brecha generacional e institucional en el frente doméstico. Al mismo tiempo, las asfixiantes tensiones de la Guerra Fría alimentaban una paranoia colectiva ante la vigilancia y el control, mientras que el nacimiento del movimiento hippie, la psicodelia y la eclosión de la contracultura cuestionaban los cimientos morales del orden establecido. La nación estaba dividida entre los que seguían defendiendo los viejos valores y confiando en las instituciones, y aquellos que deseaban fervientemente su abolición y la instauración de una nueva era.
Durante la década de 1990, la frontera entre el cine y la televisión de culto se difuminó drásticamente debido a la dispersión de las plataformas multimedia (vídeo, televisión por cable, DVD, Internet). El término "culto" dejó de estar confinado a las salas de cine de sesión golfa para empezar a aplicarse también a la ficción televisiva. "Expediente X" obtuvo plenamente esa categorización al crear un estilo estético y conceptual muy particular que enfatizaba deliberadamente la sensación de ausencia, de vacío, utilizando con maestría los escenarios oscuros y sombríos, el uso expresivo de la penumbra y el contraste de luces brillantes para oscurecer en lugar de revelar, sintonizando a la perfección con la propia metanarrativa de una serie que trataba sobre secretos, engaños y ocultamiento.
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A finales de 1996, Fox tomó una de las decisiones más arriesgadas y determinantes de la historia de la cadena: trasladar “Expediente X”, para entonces ya su serie estrella, desde su espacio habitual de los viernes por la noche a la competitiva parrilla de los domingos con ocasión del estreno de su cuarta temporada. Hasta ese momento, la noche del viernes había sido un territorio tradicionalmente considerado un "cementerio de audiencias" en la televisión estadounidense, pero Chris Carter había logrado obrar el milagro de reunir a una legión de seguidores fieles en ese resbaladizo horario.
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Mulder no solo sostiene firmemente que la vida extraterrestre está presente en nuestro planeta, sino que está convencido de que el gobierno estadounidense posee pruebas irrefutables de ello y se dedica activamente a encubrirlas. Aunque dotado de un carisma juvenil y un sentido del humor ingenioso, es un fanático empedernido dedicado a desentrañar los misterios de los Expedientes X a cualquier precio. A pesar de ser un brillante psicólogo formado en Oxford, su inquebrantable interés por los fenómenos inusuales le ha granjeado en el FBI la reputación de excéntrico y el apodo de "Spooky", a pesar de ser un brillante psicólogo formado en Oxford.
A finales del siglo XX, el universo de la ciencia ficción comenzó a contraerse. Muchas de sus narrativas ya no elegían las aparatosas amenazas de invasores alienígenas, sino que nos avisaban de que el verdadero peligro radicaba en que ya estaban aquí, caminando invisibles entre nosotros. A aquellos sectores de la sociedad que tradicionalmente eran más proclives a mirar con sospecha "lo diferente" se les ofreció un nuevo motivo de preocupación: alienígenas y mutantes que no podían distinguirse de los humanos “puros”. En este contexto de paranoia, la televisión de los noventa le arrebató el liderazgo vanguardista al cine comercial, arriesgándose con propuestas innovadoras que dieron lugar a auténticos fenómenos sociológicos. Uno de sus ejemplos paradigmáticos fue Expediente X” una serie que se presentaba formalmente como una sutil e innovadora mezcla de thriller policíaco, terror y ciencia ficción, sazonada con un toque de pastiche posmoderno para darle un aire divertido y autoconsciente.
La encrucijada en la que confluyen la literatura realista y/o mainstream con la ciencia ficción suele ser un terreno minado. Cuando un autor de prestigio ajeno al género decide experimentar con sus códigos, a menudo es recibido con hostilidad o escepticismo por la comunidad de aficionados. Este recelo no es un simple elitismo de nicho, sino que tiene raíces justificadas.
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Otra subtrama interesante es la de Ellen (Jodie Balfour) y Larry Wilson (Nate Corddry), cuyo ascenso hasta la Casa Blanca fue posible porque ambos ocultaron que su matrimonio heterosexual era una farsa. En una época todavía profundamente homófoba, la orientación homosexual de ambos les habría impedido no ya desarrollar una carrera política, sino siquiera conservar sus respectivos trabajos en el sector aeroespacial. El suspense en este arco se apoya en la revelación pública de un desliz de Larry, que pone en peligro no ya los puestos de ambos sino la propia autonomía financiera de la NASA, que ciertos sectores del gobierno quieren recortar.
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La evolución de “For All Mankind” entre su segunda y tercera temporada marcó un punto de inflexión en el sentido de que colocó la Historia Alternativa en un segundo plano respecto a la aventura espacial. Ambientada en los años 80, la trama de la segunda temporada había narrado cómo la Guerra Fría se trasladaba a la Luna con el envío de armamento a las bases de soviéticos y americanos. El pulso geopolítico mantuvo el suspense hasta el magnífico episodio final, considerado como uno de los mejores cierres de temporada de la televisión reciente gracias al emotivo sacrificio de Gordo y Tracy Stevens para salvar la base lunar Jamestown.
A medida que la brecha entre Ciencia y Ciencia Ficción va reduciéndose año tras año, a muchos creadores les basta ya solo con escoger algunos elementos reconocibles de nuestra vida cotidiana y darles un pequeño empujón o inversión para que nosotros, espectadores, cuestionemos la cambiante y engañosa normalidad sobre la que cabalgan a toda velocidad nuestras vidas. Esto es precisamente lo que hace la coproducción polaco- checa-eslovaca-serbia, “Restore Point”, aunque su premisa principal gira en torno a algo mucho más profundo y, por el momento, inalcanzable.
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El principal tema sobre el que versan prácticamente todos los episodios de “Black Mirror” es el peligro que, bajo diferentes formas, se oculta en la tecnología moderna. Esto puede abarcar desde algo aparentemente inocente como las redes sociales hasta las posibilidades futuras de la realidad virtual o la forma en que la tecnología digital puede atizar los aspectos más siniestros de la naturaleza humana. Cada episodio juega con la idea de que la tecnología ha transformado radicalmente quiénes somos y cómo interactuamos con el mundo y entre nosotros.
Resulta difícil glosar la importancia de Flash Gordon dentro del ámbito de la Ciencia Ficción y, ya puestos, la cultura popular. Aunque fue Buck Rogers el primer héroe espacial del comic, es a Gordon, dibujado por el maravilloso Alex Raymond, a quien corresponde el honor de elevar la CF en viñetas a un nivel tan alto que tardaría mucho en igualarse. Deudor de otros héroes literarios como John Carter, su influencia en el género fue asimismo inmensa al fijar el estándar visual de muchos elementos de la space opera, como la combinación y contraste de tecnología avanzada y elementos arcaicos.
La perspectiva que da el tiempo es fundamental para valorar la importancia y proyección no ya de una obra sino de un autor. Un ejemplo de ello es Paul W.S. Anderson (no confundir con el magnífico Paul Thomas Anderson, director de “Boogie Nights”, 1997; “Magnolia”,1999; “Pozos de Ambición”, 2007; o “Una Batalla tras Otra”, 2025), quien llegó a ser considerado por muchos aficionados y críticos como el salvador de la ciencia ficción en el cine gracias a su capacidad para mezclar una estética muy personal con un tono oscuro y adulto.
Hay proyectos que parecen condenados al fracaso desde su mismo comienzo. Ese fue el caso de “Supernova”, un thriller de ciencia ficción de MGM con un presupuesto de 65 millones de dólares que comenzó como un libreto que el guionista William Malone escribió por su cuenta bajo el título "Dead Star". Con cinco guionistas (tres acreditados), al menos la misma cantidad de directores (ninguno acreditado), numerosas demandas potenciales y una historia de producción más misteriosa e intrigante que cualquier cosa que se vea en la propia película, "Supernova" podría ser la producción más problemática de la historia del cine de CF.
Hay momentos en los que parece que las propiedades intelectuales milmillonarias impulsadas por los grandes estudios lo colonizan todo cual mala hierba. Películas, series televisivas que se suceden la una a la siguiente obedeciendo más a las métricas que a una inspiración creativa real, comics sosos trufados de efectos digitales producidos sólo para el deleite completista de los aficionados juveniles más entregados…
¿Quién no ha fantaseado alguna vez con viajar en el tiempo y reencarnarse en su antiguo y más joven yo para así revivir los mejores años con todos los recuerdos de una vida intactos y así enmendar los errores y aprovechar las oportunidades perdidas? Es una idea irresistible que han explotado películas como “Peggy Sue se Casó” (1986), “El Efecto Mariposa” (2004) o “Una Cuestión de Tiempo” (2013). Pues bien, la novela “Volver a Empezar”, de Ken Grimwood, no sólo exploró esa premisa con mucha más profundidad, llevándola a sus extremos lógicos para reflexionar sobre lo que da sentido a nuestras vidas, sino que estableció una serie de mecánicas y dilemas éticos que luego serían adoptados por muchas otras obras literarias y audiovisuales, desde “Atrapado en el Tiempo” (1993) a “Al Filo del Mañana” (2014), pasando por “Regreso al Futuro II” (1989), “Las Primeras Quince vidas de Harry August” (2015), “22-11-63” (2011), “Recursión” (2019), “La Biblioteca de Medianoche” (2020), “El Mapa de los Instantes Perfectos” (2021), “Dark Matter” (2024) o las antedichas películas.
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El ser humano ha intentado, desde que tiene memoria, vencer a la muerte. Y esa es la premisa que sostiene el episodio “San Junípero”, el cuarto de la tercera temporada de “Black Mirror”.
Ann Leckie es el claro ejemplo de que ese cierto tipo de éxito que se percibe como repentino e inesperado, puede ser, en realidad, es el resultado de años de trabajo y persistencia. Nacida en 1966 en Toledo, Ohio, Leckie creció rodeada de libros. Su padre era ingeniero especializado en el diseño y construcción de puentes, una ocupación de la que luego se haría eco ella en la forma en que imaginaría los sistemas de sus naves de ficción. En cuanto a su madre, era química y trabajó en un laboratorio antes de dedicarse por completo al cuidado de Ann y sus hermanos.
Pocas personas han influido tanto en nuestra visión del futuro como Syd Mead. Desde el diseño de automóviles, hoteles y aviones de lujo hasta sus ilustraciones conceptuales para películas seminales de la Ciencia Ficción, el trabajo de Mead definió, prácticamente en solitario, la estética futurista en el cine para toda una generación.
"Invasión” fue la cuarta adaptación cinematográfica de la novela clásica de Jack Finney, “Los Ladrones de Cuerpos” (1954). La versión original, “La Invasión de los Ladronesde Cuerpos” (1956), es una de las películas más importantes del cine de CF, no sólo porque definió con maestría el tema de las invasiones silenciosas, sino porque es uno de los films que mejor transmite la sensación de paranoia gracias a una atmósfera pesadillesca que nadie puede olvidar tras haberlo visto. Philip Kaufman realizó una nueva versión, también excelente, “La Invasión de los Ultracuerpos” (1978), que trasladó la historia al San Francisco de los años 70 y la convirtió en una alegoría de la alienación urbana en la era del individualismo. Abel Ferrara hizo posteriormente otra infravalorada adaptación en “Secuestradores de Cuerpos” (1993), emplazándola en una base militar y articulando con ella una alegoría del declive del sueño americano.
El título de esta miniserie de seis episodios de una hora de duración producida por HBO sugiere algún documental conspiranoico del tipo que abundan en YouTube. Pero nada más lejos de la realidad. Lo que tenemos aquí es una Ucronía o Historia Alternativa, un subgénero en el que la Historia discurrió de una forma diferente a la que conocemos, ya sea con los nazis ganando la Segunda Guerra Mundial, los dinosaurios sobreviviendo al paso de un meteorito que no impactó o un Imperio Romano de Occidente que se extendió más allá del siglo V d.C.
Hay un dicho que afirma que Hitchcock fue un maestro del suspense; Spielberg, de la maravilla y Lucas del artificio. El canadiense Cronenberg, en cambio, se especializó en algo completamente distinto. Desde sus primeros trabajos, pasando por su producción de los años 80 y hasta sus películas más recientes, discurren un par de de hilos conductores muy particulares que recorren buena parte de su obra. El primero es el horror biológico: la sensación de ver y sentir cómo el propio cuerpo cambia, se transforma en algo ajeno que escapa al control. El segundo es la fuerza de la manipulación y sus consecuencias, ya sea infantil, corporal o psicológica.
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“La Gema de Poder” (26 julio a 3 octubre de 1982), comienza con los rebeldes preocupados por la información que Luke ha traído del nuevo crucero que se está completando en los astilleros imperiales. Las simulaciones indican que en su arsenal no hay nada capaz de romper sus defensas, pero Leia recuerda una antigua leyenda que le contó su padre sobre las gemas de poder, unos artefactos que utilizaron en el pasado los piratas espaciales para neutralizar los escudos de naves de gran tamaño. Cuando los caballeros Jedi acabaron con los piratas, aquellas gemas se perdieron con ellos. Pero si queda alguna, solo quienes se mueven en los bajos fondos sabrán algo. ¿Y quién más familiarizado con ese mundo que Han Solo?
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En “Hermanos de Armas” (1989), los mercenarios Dendarii llegan a la Tierra para efectúar reparaciones y recuperarse de su última misión, la liberación de miles de prisioneros de un campo cetagandano en Dagoola IV narrada en “Fronteras del Infinito”. Sus hombres –con pocas excepciones- siguen ignorando que su almirante Naismith es, en realidad, el teniente Miles Vorkosigan del ejército barrayarano, cuyo emperador los utiliza como brazo ejecutor no oficial. Por esa razón, Miles contacta con la embajada de su planeta en Londres, solicitándoles el pago de los gastos y reparaciones de su flota.
El ambiente cultural de principios de la década de los 60 en Estados Unidos y el Reino Unido no tuvo el mismo efecto liberador sobre el cine de ciencia ficción que sí había ejercido sobre la ciencia ficción literaria, que entonces empezó a dar forma a lo que enseguida se conocería como "Nueva Ola". Probablemente esto se debió a que los costos mucho más elevados de producir una película implican que la producción cultural esté más supeditada a los intereses corporativos, dejando menos espacio para lo explícitamente contracultural. Así, las películas de CF más comerciales de la época tendían a reflejar las preocupaciones políticas de la Guerra Fría, la Crisis de los Misiles de Cuba y el temor constante a la guerra nuclear, como “La Hora Final” (1959), “Punto Límite” o “Teléfono Rojo, ¿Volamos Hacia Moscú?” (1964).
¿Existe la vida después de la muerte? Es una pregunta que muchos escritores se han planteado desde que el hombre tiene capacidad para pensar. Si bien la respuesta puede ser afirmativa para quienes crean en la existencia de una vida más allá de la actual, cómo sea ésta depende completamente de su fe. Nos gusta consolarnos pensando que en el más allá existe un sistema en virtud del cual los buenos son recompensados y los malos castigados. Otras religiones sostienen que esta vida ya es un infierno, y que, si pasamos a un siguiente nivel tras morir, éste será un lugar mejor; pero si no hemos aprendido las lecciones necesarias, nos reencarnaremos para vivir otra vida diferente en este plano. Para otros, la idea no está tan estructurada. Pueden desear que haya un final feliz, pero sin tener claro cuál es.
Robert A. Heinlein (1907-1988) es uno de los grandes maestros de la ciencia ficción literaria y está considerado por muchos como uno de los mejores escritores del género. En el curso de su extensa carrera de cinco décadas, publicó numerosos clásicos, entre los que se incluyen “Los Hijos de Matusalén” (1958), “Tropas del Espacio” (1959), “Forastero en Tierra Extraña” (1961), “Ruta de Gloria” (1963), “La Luna es una Cruel Amante” (1966) o “Tiempo para Amar” (1973).
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Si la acción de la primera temporada había transcurrido entre 1969 y 1974, los acontecimientos que se narran en la segunda se desarrollan a lo largo de varios tensos meses de 1983. Y, de nuevo, nos encontramos con un conjunto de capítulos en los que los personajes son tanto o más importantes que la trama. Regresan la mayoría de los ya presentados en la temporada anterior, pero desempeñando nuevos trabajos, teniendo nuevas relaciones y viviendo en un contexto histórico diferente, lo que obliga a la serie a dedicar la primera mitad de sus diez episodios a ponernos al día sobre lo sucedido en el hiato de una década, pero también a preparar lo que será la siguiente temporada. Para cuando las cosas empiezan a acelerarse y el suspense a aumentar, ya solo quedan dos capítulos.
El director francés Alexandre Aja fue haciéndose un nombre en el cine de géneo ya desde su segundo film, el sangriento “Alta Tensión” (2003), con el que dio el pistoletazo de salida al movimiento conocido como “Nuevo Extremismo Francés”. Los norteamericanos no tardaron en fijarse en él y lo contrataron para el remake de “Las Colinas Tienen Ojos” (2006), uno de las pocas actualizaciones interesantes de las varias que se hicieron por entonces con viejos títulos de terror. A partir de ahí, ha trabajado dentro de Hollywood como director y productor, centrándose, sobre todo, en el cine terrorífico con títulos como “Reflejos” (2008), “Piraña 3D” (2010), “Cuernos” (2013), “La Resurrección de Louis Drax” (2016) o “Infierno Bajo el Agua” (2019). En julio de 2020, justo cuando Francia salía de su primer confinamiento estricto a causa de la pandemia de Covid-19, Aja comenzó el rodaje de la que quizá es su mejor película hasta la fecha.
La primera página del comic, en solo siete viñetas, resume a la perfección el estado del mundo en un futuro próximo: “La manera en que F.G.Wilson sometió al mundo fue de lo más retorcida. No llegó al poder tras un golpe de Estado. Tampoco fue elegido. A decir verdad, Wilson ni siquiera es político. Es empresario. Fuimos nosotros los que voluntariamente abrazamos el confort tecnológico que nos brindaba: prótesis biomecánicas, órganos sintéticos…Wilson tiene ya 115 años y ni una sola arruga. ¿Quién podría negarse a la inmortalidad así? Cuando Technolab lanzó el implante cerebral, un chip orgánico que optimiza las aptitudes físicas y mentales, todo el mundo quiso uno. Ahora se les coloca a los bebés de todo el mundo nada más nacer. ¿Y qué podría haber más natural que el hecho de que dicho implante conllevara una “cláusula neuronal” que impedía al portador “perjudicar a F.G.Wilson? Y así, se volvió imposible oponerse a sus decisiones. Y así, creamos al tirano que nos merecíamos: inmortal y omnipotente. A pesar de ello, voy a tratar de alterar el curso de la historia”.
“La Fiebre de los Ricos” fue la tercera película del director vasco Galder Gaztelu-Urrutia Munitxa, quien había conseguido un éxito con “El Hoyo” (2019), para Netflix, una corrosiva alegoría social ambientada en una prisión vertical. Alargó la misma premisa para la secuela, “El Hoyo 2” (2024), antes de saltar a dirigir su siguiente crítica a la actual sociedad capitalista en lo que fue su primer film en lengua inglesa (coproducido entre España, Chile y Brasil).
El escritor estadounidense Jack Finney no fue el primero que imaginó formas de vida extraterrestres que invaden silenciosamente nuestra sociedad controlando a sus miembros o mimetizando sus formas y asumiendo sus identidades. La idea ya la había expuesto, por ejemplo, Robert A Heinlein en “Amos de Títeres” (1953), el mismo año en que llegaron a los cines “Invasores de Marte” y “Llegó del Más Allá". Y todavía antes que ellos, John W.Campbell escribió “¿Quién Anda Ahí?” (1937), relato fundamental y pionero de la paranoia biológica en la ciencia ficción. Lo que sí presentó por primera vez Finney en “Los Ladrones de Cuerpos”, fue el inquietante concepto de seres pseudohumanoides gestados en vainas.
“El Pueblo de los Malditos” (1960), adaptación de la famosa novela de John Wyndham “Los Cuclillos de Midwich” (1957), es una de esas joyas del cine de CF terrorífica que demostró que para crear una atmósfera inquietante no eran necesarios efectos especiales muy elaborados sino que bastaba una idea profundamente perturbadora, en ese caso, unos niños inquietantes que se distanciaban mucho de la conservadora y protectora imagen que de la infancia proyectaban el cine y la televisión contemporáneas.
En la actualidad, Francia es justificadamente famosa por su abundante y sofisticada cultura del cómic, gran parte de cuya producción está dirigida a un público adulto. Sus guionistas y dibujantes gozan de reconocimiento e incluso celebridad en algunos casos. La calidad y cantidad de álbumes publicados ha seguido una trayectoria ascendente desde hace muchos años y su aceptación como medio narrativo y artístico en todos los ámbitos culturales ha quedado refrendada por importantes exposiciones en galerías e instituciones así como por un museo en la localidad de Angulema, donde además se celebra un prestigioso festival internacional.
“A Ciegas” (“Bird Box”, 2018) fue un éxito rotundo para Netflix, llegando incluso a inspirar uno de esos ridículos fenómenos de las redes sociales en el que los usuarios se sometían a retos peligrosos con los ojos vendados y en los cuales más de uno perdió la vida por insensato. La película ofrecía una historia intensa, evocadora, con buenas interpretaciones y escenas impactantes que mezclaba thriller, terror y drama. Quizá su principal problema, además de que las explicaciones sobre el origen de la catástrofe eran frustrantemente vagas, fue que llegó después del estreno de “Un Lugar Tranquilo” (2018), que tenía una premisa similar. Aunque la novela en la que estaba basada “A Ciegas” había aparecido antes que “Un Lugar Tranquilo”, quienes no la habían leído pensaron que no era más que una suerte de copia modificada.
El Seisaku Linkai o "Comité de Producción", extendido y asumido masivamente tras el éxito de “Evangelion”, ha sido el modelo de negocio estándar bajo el cual se ha financiado casi todo el anime japonés desde los años 90. ¿Y en qué consiste exactamente? Imagina que quieres hacer una película que cuesta millones de dólares. En lugar de que un solo estudio de animación aporte todo el dinero y asuma todo el riesgo, se forma un "club" o “comité” de empresas que se reparten la cuenta... y las ganancias.
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Poco después del relato inaugural, Goodwin inicia en “Darth Vader Ataca” (20 abril-26 julio 1981) un extenso arco argumental sobre la construcción del Ejecutor, la aterradora nave insignia de Darth Vader que se había visto en “El Imperio Contraataca”. Con solo estas dos primeras historias, se puede apreciar claramente que Goodwin se apoya todo lo posible en la segunda película para cubrir los huecos existentes entre ésta y la primera.
“Matrix” (1999) es una de las películas más importantes, conocidas e influyentes de la ciencia ficción moderna. De forma prácticamente instantánea tras su estreno, se convirtió en una película de culto. Popularizó en Occidente las artes marciales Wu Xia de Hong Kong y creó el entonces sorprendente y original efecto “Bullet Time”. El cuero negro, el PVC, los abrigos largos y las gafas de sol se convirtieron en tendencia entre la comunidad de ciberhackers. Tuvo incluso un impacto en el mundo real, resucitando el debate filosófico sobre si todos vivimos en una ilusión virtual construida a nuestro alrededor. Todo esto fue no hace mucho examinado en un un fascinante documental sobre el fenómeno: “Un Fallo en Matrix” (2021). El término “Píldora Roja” -la cápsula que Morfeo le ofrece a Neo para despertar a la realidad- ha sido adoptado por movimientos conspiranoicos como el QAnon, así como por otras ideologías, incluso por individuos célebres como Elon Musk, que lo utilizan como un término para referirse a la llamada para escapar de la esfera de la ilusión y entrar en la realidad.
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Como muchos cómics importantes de la década de los 80 del pasado siglo, “Give Me Liberty” se adscribe al subgénero distópico, en este caso retratando el declive de una antaño gran nación. En este sentido, el comic puede alinearse temáticamente con dos de las obras maestras contemporáneas de Alan Moore: “Watchmen” y “V de Vendetta” (1982-88). Resulta sorprendente que Miller compartiera las mismas preocupaciones que su homólogo inglés sobre el futuro político de sus respectivos países y, además, al mismo tiempo. Esta convergencia es un buen ejemplo de ese dicho que reza que “Las grandes mentes piensan igual” (y que se completa con “pero los tontos rara vez difieren”).
Aunque fueron Marvel y DC las compañías que dominaron la industria norteamericana del comic en 1990, hubo muchas otras editoriales que dejaron su huella. Una de las que más rápidamente ascendió fue Dark Horse Comics, que alcanzó cifras de ventas impresionantes para una editorial independiente. A ello contribuyeron, por supuesto, las miniseries y números especiales que lanzó protagonizados por tres iconos de la CF y el cine: Alien, Terminator y Depredador, cuyas licencias compró el editor en jefe, Mike Richardson, y que explotó con acierto en un momento en el que esas franquicias no estaban tan explotadas como en la actualidad.
La capacidad quirúrgica para diseccionar tanto la psique humana como las tensiones morales de nuestra es una de las virtudes que han llevado a Ian McEwan a dominar el panorama literario británico durante más de un cuarto de siglo, publicado varios bestsellers y ganado casi todos los premios de prestigio en su disciplina artística.
Eugenio Martín (1925-2023) fue uno de los directores más versátiles y eficaces del cine español y hoy es recordado sobre todo por una profesionalidad a toda prueba que le permitía abordar, con una factura técnica capaz de competir en mercados internacionales, todo tipo de géneros. A diferencia de otros directores de su generación más enfocados en el cine de autor o social, Martín se especializó en el cine comercial de calidad, e igual dirigía un título de spaghetti western (“El Precio de un Hombre”) que un musical (“La Chica del Molino Rojo”) o un thriller (“Hipnosis”). Pero la que se considera su mejor película es “Pánico en el Transiberiano”, una coproducción hispano-británica que mezcla CF y terror gótico.
