El de la Realidad Virtual y la Realidad Aumentada es un tema que, aunque tiene precedentes en el cine de Ciencia Ficción ya en los años 70 y 80, se popularizó en los 90, habiendo de esperar ya al cambio de siglo para empezar a ver tratamientos más complejos del fenómeno. En tiempos más recientes y acorde con los continuos avances en este campo, hemos visto, por ejemplo, películas como “Creative Control” (2015), “Ready Player One” (2018), “Anon” (2018) o “Free Guy” (2021).
“Las Ciudades Oscuras”, de Benoît Peeters y François Schuiten, es una serie ambientada en una Tierra alternativa, en un período indeterminado y en la que elementos del pasado se mezclan con otros del futuro para dar forma a un universo atemporal punteado de maravillosas ciudades edificadas según los estilos más extremos de la arquitectura, una conformación monumental y urbanística que, a su vez, condicionará las sociedades, las formas de gobierno y las vidas de quienes en ellas residen. Las tecnologías que retratan estas historias parecen sacadas de un eterno periodo de transición entre el siglo XIX y el XX. El lenguaje, las actitudes y las modas son igualmente anticuados, lo que le da a la serie un sabor neovictoriano y steampunk.
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Pero los productores no estaban preparados para invertir decenas de millones de dólares en una película protagonizada por desconocidos. Kirkpatrick comentó que había escrito el personaje de Gordon pensando en Steve Zahn, quien le había llamado mucho la atención en “Los Wonders” (1996) y “Un Romance Muy Peligroso” (1998). Pete Hewitt, por su parte, había conocido a Matt Damon durante el rodaje de “Salvar al Soldado Ryan” (1998) y justo después de hacer “El Indomable Will Hunting” (1997), todavía entonces por estrenar. Se habló con él sobre la posibilidad de que interpretara a Alan, pero aunque él se mostró interesado, el estudio quería a Leonardo DiCaprio. Y claro, para cuando se estrenaron las dos películas antedichas y volvieron a proponérselo, el caché de Damon no sólo había subido como la espuma, sino que ya tenía otros compromisos.
“Cinco... cuatro... tres... dos... uno... ¡Thunderbirds, listos!” Para cualquiera que hubiera crecido en la Gran Bretaña de los años 60, esas palabras señalaban el comienzo de una hora de aventuras, emoción, desastres evitados por los pelos y viajes por todo el mundo, cortesía del grupo de pilotos creados por Gerry y Sylvia Anderson. Emitida por primera vez en 1965, fue, sin duda, la más exitosa de las numerosas series de ciencia ficción de Anderson de los años 60, entre las que se incluyeron "Supercar", "Fireball XL5", "Stingray", "Captain Scarlet and the Mysterions" y "Joe 90".
El subgénero zombi ha sido declarado "muerto" casi tantas veces como sus propios monstruos. Que se resista a desaparecer por completo sugiere que quizá no estemos tanto ante una agonía terminal como una metamorfosis. Tras décadas de saturación (a la cual no fue en absoluto ajeno el fenómeno de “The Walking Dead”), el público ya no se conforma con ver a personajes perfilados de acuerdo a sobados arquetipos que se enfrentan en una orgía gore a una horda de zombis feroces.
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“La Cripta de Cristal” se publicó originalmente en el número de enero de 1954 de “Planet Stories”.
Los últimos ciudadanos de la Tierra se aprestan a abandonar Marte en la última nave que despegará de ese planeta antes de que estallen las hostilidades entre los dos mundos. Poco después del despegue, la nave recibe la orden de volver y aterrizar. Con ayuda de un detector de mentiras portátil, un oficial marciano llamado Leiter comienza a interrogar al pasaje acerca de un ataque terrorista recientemente perpetrado por tres terrícolas, dos hombres y una mujer, y con el cual, dos horas antes, destruyeron toda una ciudad marciana. Leiter cree que los terroristas, esperando escapar antes de que comience la guerra, deben encontrarse en esa última nave rumbo a la Tierra. Sin embargo, todos los interrogados niegan su participación y el detector confirma la veracidad de sus respuestas.
Desde mediados de la década de 2010, han desfilado por nuestras pantallas grandes y pequeñas un considerable número de películas que abordan temas relacionados con androides e inteligencia artificial. En una época anterior ya hubo films en los que aparecían androides y máquinas capaces de sentir y amar, como “Galaxina” (1980), “Heartbeeps” (1981), “Blade Runner” (1982), “Sueños Eléctricos” (1984) o el episodio “En Teoría” (1991), de “StarTrek: La Nueva Generación”, en el que Data probaba a tener novia. Existe otro sub-subgénero en el que las máquinas desarrollan pensamientos lujuriosos, como “Engendro Mecánico” (1977), “Saturno 3” (1980) y T.I.M. (2023). Y, por último, las famosas amas de casa androides de “Las Esposas de Stepford” (1975).
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Aunque “Black Mirror” tiene un formato de antología y, por tanto, los episodios de cualquier temporada pueden verse en cualquier orden, “Odio Nacional”, que cierra el tercer año de la serie, sí tiene cierto sabor a cierre de temporada. No sólo por su inusual duración de 90 minutos, sino también porque recoge muchas de las ideas y temas explorados en los cinco episodios anteriores de ese año: el apoyo “social” a terceros base de retuitear sus post o, por el contrario, arruinar sus reputaciones utlizando hashtags; “periodismo clickbait”; justicieros digitales que extraen la peor faceta de la gente; drones utilizados con fines nefastos... Si bien no es tan evidentemente distópico como otras entregas de la serie, “Odio Nacional” sí se asemeja al especial navideño de la temporada anterior, “Navidades Blancas”, en cuanto a que ambos presentan una tecnología y aplicaciones de la misma que se sienten incómodamente cercanas a nuestro presente.
“Langosta” fue la quinta película del director griego Yorgos Lanthimos, quien obtuvo un gran éxito con su segundo film, “Canino” (2009), una comedia extraña e inexpresiva sobre unos padres que habían mantenido a sus hijos confinados durante toda su vida, pudiendo éstos sólo imaginar el mundo exterior con resultados divertidísimos. Volvió a llamar la atención internacional con “Alpes” (2011), aunque se trataba de una propuesta más apagada y menos cohesionada en cuanto a sus ideas. “Langosta”, una coproducción de Irlanda, Reino Unido, Grecia, Francia y Holanda, fue la primera película que rodó en inglés y ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2015.
La ficción utópica siempre será mucho menos prominente que su contraparte, la distopía, en buena medida porque desde el punto de vista narrativo es mucho más interesante plantear escenarios imperfectos que impongan a los personajes un desafío. Sin embargo, el subgénero utópico también puede ofrecernos una perspectiva única sobre la condición humana, mostrándonos nuestro verdadero potencial al tiempo que nos señala los peligros que debemos esquivar para alcanzarlo.
A día de hoy, cierto número de países ya han legalizado y regulado la eutanasia activa (esto es, la acción directa de un médico para poner fin a la vida del paciente a petición expresa de éste): Holanda, Bélgica, Luxemburgo, España, Portugal, Francia, Canadá, Colombia, Ecuador, Uruguay, Nueva Zelanda y Australia. La mayoría de los países que regulan la eutanasia también permiten el suicidio asistido, esto es, el facultativo prescribe el fármaco y el paciente se lo administra. Es el caso de Suiza y varios estados de Estados Unidos.
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En abril de 1988, cuando apareció “En Caída Libre”, Lois McMaster Bujold era todavía una escritora relativamente desconocida. Su primera novela, “Fragmentos de Honor”, había aparecido el año anterior, seguida rápidamente por otras dos ambientadas en el mismo universo: “El Aprendiz de Guerrero”, la primera en tener a Miles Vorkosigan como protagonista; y “Ethan de Athos”, sobre una colonia planetaria exclusivamente masculina.
Nadie lo vio venir cuando “Star Wars” se estrenó, el 25 de mayo de 1977, en poco más de treinta salas de cine de Estados Unidos, tal y como era la costumbre entonces en los lanzamientos cinematográficos. La respuesta fue tan inmediata y abrumadora que la 20th Century Fox se apresuró a expandir su lanzamiento a muchas más salas en las semanas siguientes, convirtiendo una “simple” película de aventuras espaciales en un fenómeno cultural absolutamente masivo y sin parangón en la Historia del Cine.
“Autómata” llegó a tiempo para intentar capitalizar la moda que en el cine y por aquellos empezaron a abordar el tema de la inteligencia artificial y la robótica, empezando por la sobresaliente “Her” (2013), la interesante y subestimada “The Machine” (2013) o la extraordinaria “Ex Machina” (2015). Hubo otras propuestas con presupuestos y/o repartos muy ambiciosos (“Transcendence”, 2014; “Chappie”, 2015; “Morgan”, 2016; “Zoe”, 2018), que resultaron ser películas mediocres que tropezaron más o menos estrepitosamente en taquilla. Aparecieron incluso comedias sobre el tema, como “Superintelligence” (2020), “BigBug” (2022) o “Robots” (2023), así como otras que más les habría valido serlo, como “Automation” (2019), “Life Like” (2019) o “A Descubierto” (2021).
A lo largo de la década de 2010 y principios de la presente, la CF cinematográfica ha venido explotando generosamente las historias sobre Inteligencia Artificial, con películas tan destacadas como “Her” (2013), de Spike Jonze, y “Ex Machina” (2015), de Alex Garland, además de otras propuestas como “The Machine” (2013), “Automata” (2014), “Chappie” (2015), “Morgan” (2016), “Westworld” (2016-2022), “Tau” (2018), “Zoe” (2018), “Archive” (2020), "Despidiendo a Yang" (2021), Outside the Wire (2021), "The Artifice Girl (2022), “M3gan” (2022), “The Creator” (2023), “La Acompañante” (2025) o “Estado Eléctrico” (2025), entre otras. De entre este largo catálogo, “Finch” fue uno de los títulos más entrañables y humanistas.
“El Día de los Trífidos” (1951), de John Wyndham, es uno de los clásicos indiscutibles de la literatura de CF. Tanto, de hecho, que ha traspasado los límites del género para adquirir prestigio y reconocimiento no sólo entre los aficionados y críticos de la literatura generalista sino entre los creadores de otros medios.
La idea de alcanzar la inmortalidad “imprimiendo” o clonando cuerpos no es precisamente nueva. La ciencia ficción lleva décadas jugando con ella y planteando al respecto preguntas intrigantes que van de lo práctico a lo metafísico. Richard K. Morgan, por ejemplo, nos describió en “Carbono Alterado” (2002) un futuro ciberpunk en el que la mente de los ricos podía almacenarse en microchips e insertarse en clones de ellos mismos en un proceso infinito que les garantizaba la inmortalidad. “La Vieja Guardia” (2005), de John Scalzi, reinventó el servicio militar con cuerpos clonados y mejorados que podían albergar otras mentes. En “Gente de Barro” (2003), David Brin imaginaba una tecnología que permitía imprimir duplicados temporales de uno mismo. Y Greg Egan fue aún más allá en “Diáspora” (1997), donde las consciencias posthumanas saltaban entre formas físicas y digitales.
Howard Phillips Lovecraft fue un maestro en la creación de suspense a base de introducir sucesos ominosos y señales que indicaran la presencia de fuerzas que escapan a la comprensión y control humanos. Inventó una mitología de seres y razas que hoy gozan de gran popularidad entre los aficionados al género fantacientífico y que han calado hondo en la imaginación de todos los escritores de terror, fantasía y ciencia ficción que vendrían después de él. Conceptos como el Necronomicón, el culto de Cthulhu, las especies alienígenas con forma de calamar e incluso la idea de que una antigua raza extraterrestre habitara la Tierra mucho antes de aparecer en ella el ser humano, salieron de su fértil imaginación.
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“Problemas con las Burbujas” apareció originalmente publicado en la revista “Imagination” en septiembre de 1953.
Nathan Hull pasa frente a una tienda de Mundomanía de camino a una fiesta concurso en la que se evalúan y seleccionan las mejores creaciones de mundos contenidos en esferas, una actividad en la que él no participa por considerarlo una aberración. La ganadora del certamen es una mujer de mediana edad que muestra su burbuja a los asistentes. Lleva trabajando en ella sesenta años, creando vida a nivel microscópico en su propio planeta en miniatura y haciéndola evolucionar paso a paso. A continuación, rompe la burbuja, una acción que imitan el resto de asistentes.
“Iron Sky” es la segunda película dirigida por el realizador finés Timo Vuorensola, que había empezado en los 90 haciendo, como aficionado, una serie de cortos paródicos de las diversas encarnaciones de “Star Trek”, bajo el título colectivo de “Star Wreck”. Éstos culminaron en un largometraje, “Star Wreck: In the Pirkinning” (2005), que se subió gratuitamente a internet, recibiendo mucha atención sobre todo por sus efectos especiales, que poco tenían que envidiar a los realizados de forma profesional por muchos estudios importantes. Pero es que, todavía más sorprendente, Vuorensola y sus amigos produjeron la totalidad del film en su apartamento de dos dormitorios, adaptando sus ordenadores personales para generar los CGI que acompañaban prácticamente toda la acción dado que apenas se rodaron escenas en exteriores.
En el curso de las últimas tres décadas, el director y guionista Alexander Payne ha cosechado una considerable atención, reconocimiento y premios gracias a películas como “Ruth, una Chica Sorprendente” (1996), “Election” (1999), “A Propósito de Schmidt” (2002), “Entre Copas” (2004), “Los Descendientes” (2011) o “Nebraska” (2013), dramas realistas a menudo protagonizados por individuos atravesando crisis de la mediana edad. Ese currículo le ameritó a Payne con tres nominaciones al Oscar al Mejor Director y una nominación y dos premios para Mejor Guión Adaptado. A continuación, decidió probar suerte en el cine de género con “Una Vida a lo Grande” (aunque había coguionizado años antes “Parque Jurásico III", 2001). Fue un intento de expandir su horizonte creativo con un melodrama de ciencia ficción coescrito con su colaborador habitual, Jim Taylor. Ambos ultimaron los detalles durante el paréntesis que el director se tomó entre 2004 y 2011.
Antes de fallecer en 2007, el guionista y antiguo editor de la revista “Spirou”, Yvan Delporte, calificó a su joven colega Fabien Vehlmann como el “Goscinny del tercer milenio”. Con ello aludía a lo que consideraba talentos compartidos por ambos creadores: su fecundidad en una diversidad de géneros, combinando el absurdo, la sátira mordaz y los juegos de palabras; la capacidad para construir relatos largos basados en ideas sencillas pero interesantes; y el uso de un humor inteligente que atrae tanto a jóvenes como a adultos. Esa equiparación se oficializó en 2020, cuando Vehlmann ganó el Premio René Goscinny al mejor guion por el primer volumen de “El Último Atlas”, consolidándolo como una de las figuras más destacadas del moderno comic francobelga.
Neal Stephenson es un escritor brillante que no tiene miedo a explorar nuevas ideas de las maneras más originales y entretenidas. Su sentido del humor es más sutil e ingenioso que el de la mayoría de los autores de CF, y su capacidad para crear mundos, excepcional. Todas esas virtudes se dan cita en “La Era del Diamante – Manual Ilustrado para Jovencitas”.
En el año en curso, 2025, David Hardy (nacido en 1936), a sus 89 años, es el artista de ciencia ficción vivo de mayor edad, con una carrera que abarca más de seis décadas.
A raíz del enorme éxito que obtuvo Alfonso Cuarón con “Gravity” (2013), se produjo un renovado interés por las películas espaciales en las que los rigores y riesgos del viaje interplanetario se retrataban con una meticulosidad rara vez antes vista en el cine de CF. Ahí tenemos títulos como “El Marciano” (2013), de Ridley Scott; “Europa One” (2013), “Rumbo a lo Desconocido” (2013), “Life” (2017), “Un Espacio entre Nosotros” (2017), “Cielo de Medianoche” (2020), “Polizón” (2021), “I.S.S.” (2023) o “Rescate Lunar” (2023). En la televisión, esta moda se materializó en series como “The Expanse” (2015-22), “The First” (2018), “Away” (2020), el docudrama de National Geographic “Marte” (2016-18) o películas basadas en hechos reales, como “Salyut 7” (2017) o ”First Man” (2018). Pues bien, “Ad Astra” pertenece a esa misma categoría temática y temporal.
“El Prisionero” apareció en una época en la que el éxito de “Los Vengadores” (1961-69) había convertido la televisión en un entorno seguro para otras series de ciencia ficción de producción británica, como “Doctor Who” (1963- ), “Los Invencibles del Némesis” (1968-69), “Joe 90” (1968-69), “OVNI” (1970-71), o la que ahora nos ocupa, “El Prisionero”, un producto de culto, destinado a un nicho de espectadores dispuestos a afrontar un desafío intelectual por encima de la actitud pasiva ante un producto de mero entretenimiento. En su época fue una serie extraordinariamente avanzada que logró una validez atemporal que le ha permitido mantener su vigencia incluso hasta hoy.
Si tienes más de treinta años y la frase "película de zombis de Arnold Schwarzenegger" no te pica mínimamente la curiosidad, es que no estás leyendo el blog adecuado. Y el caso es que, repasando su carrera, sorprende que el bueno de Arnold no se haya enfrentado nunca a un apocalipsis zombi. Se las ha visto de todos los colores luchando contra un extraterrestre asesino en “Depredador” (1987), sobreviviendo a futuros distópicos en “Perseguido” (1987) o asociándose con su propio clon contra una conspiración corporativa en “El Sexto Día” (2000); fue un androide asesino imparable en la saga de “Terminator”; quedó embarazado en “Junior” (1994); interpretó a un supervillano de cómic en una de las peores películas de superhéroes, “Batman y Robin” (1997), e incluso luchó contra el mismísimo Diablo en “El Fin de los Días” (1999). Quizás lo más cerca que estuvo de protagonizar una película de zombis fue cuando lo seleccionaron para encarnar a Robert Neville en lo que finalmente y con otro actor se convirtió en “Soy Leyenda” (2007).
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“El Abonado” se publicó originalmente en el número de agosto-septiembre de 1953 de “Amazing Stories”.
Un "hombrecillo” (más tarde se revela que su nombre es Critchet), con aspecto exhausto tras un día de duro trabajo, acude a la estación de tren para comprar un abono con destino Macon Heights. El vendedor, Ed Jacobson, le dice que ese pueblo jamás ha figurado en ninguna ruta ferroviaria. Cuando el viajero empieza protestar asegurando que eso es imposible, se evapora en el aire instantáneamente.
La space opera moderna, si bien mantiene la esencia de la aventura épica a escala galáctica, ha evolucionado significativamente respecto a sus predecesoras clásicas de comienzos y mediados del siglo pasado. Hoy, este subgénero presta mucha mayor atención a la política y la sociedad, introduciendo intrigas más elaboradas con facciones diversas que operan de acuerdo a motivaciones ambiguas o complejas; explora sistemas sociales, religiosos y políticos de civilizaciones y razas alienígenas; aborda temas relevantes como la moralidad de la guerra, las consecuencias de la expansión humana o el impacto de ciertas tecnologías; introduce personajes más matizados psicológica y moralmente, que no encajan fácilmente en los arquetipos tradicionales; hace gala de un mayor rigor científico; y tiene una escala épica que sigue comprendiendo imperios inmensos, batallas espaciales y viajes interestelares pero combinada con una reducción del foco a la problemática de ciertos planetas o entornos, pero siempre transmitiendo la sensación de grandeza y diversidad del universo.
Si hay un tema sobre el que hoy se esté hablando de manera continua y que está afectando ya a múltiples ámbitos de nuestra vida cotidiana aunque no lo percibamos así, es la Inteligencia Artificial. Su previsible impacto en todos los órdenes de nuestra vida personal y social está ya poniendo sobre la mesa toda una serie de complejos dilemas éticos, sociales y económicos. Ya existe un intenso debate acerca del desafío que va a suponer alinear el progreso tecnológico con los valores humanos para que todo el mundo pueda beneficiarse de lo que puede ser un avance tecnológico sin precedentes. Y la Ciencia Ficción, fiel a su tradición, es uno de los participantes más activos de ese debate global, aunque sea desde sus márgenes. De hecho, el género ya lleva muchos años especulando sobre el tipo de sociedades que podrían llegar a modelar las inteligencias artificiales. Un ejemplo de ello es la película coreana “Wonderland”.
Pocas series de CF televisiva han sido más perturbadoramente proféticas que la rusa “Epidemiya”, traducida en inglés y español como “Hacia el Lago”. Y es que el estreno de los ocho episodios que conformaron su primera temporada (y que adaptan parcialmente la novela “Vongozero”, de la escritora rusa Yana Vagner), en noviembre de 2019, en la plataforma rusa Premier, se anticipó apenas un mes a la detección de los primeros casos de Covid-19 en Wuhan, China. Tres meses después, el 11 de marzo de 2020, la OMS declaró que aquel brote se había convertido ya en una pandemia, llevando al planeta a una crisis global como no se había visto nunca en la Historia y que jamás olvidarían quienes la vivieron y sobrevivieron. Con eso en mente, ver “Hacia el Lago” en su momento tuvo que ser una experiencia todavía más desasosegante de lo que es en la actualidad, porque no hubo que esperar más que unas semanas para comprobar que los síntomas de una enfermedad de gran letalidad capaz de cambiar el mundo no tenían porque incluir elementos propios del género de terror (ojos en blanco, aparatosos esputos de sangre, palidez extrema…).
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Parece un hecho indiscutible que cualquier serie de televisión que aborde el futuro de la Humanidad en el espacio haya de compararse con Star Trek. Esto tiene sentido, dados su papel pionero en el subgénero y la enorme influencia cultural y estética que la franquicia en su conjunto ha ejercido en la ciencia ficción televisiva. Este ascendiente se puso de manifiesto de manera especial entre 2017-2018, cuando estalló una efímera polémica en internet entre los fans de “Star Trek: Discovery” y los de “The Orville”, alrededor del mérito de cada una de las series en tanto que herederas más capacitadas para perpetuar el legado de Star Trek.
En 1960, el británico John Wyndham ya era bien conocido por haber creado lo que Brian W. Aldiss denominaría posteriormente “catástrofes confortables”, una modalidad de la que ya he hablado en otras entradas y que, sobre todo, el escritor definió gracias, sobre todo, a una serie de cuatro novelas de gran éxito publicadas en la década anterior. En “El Día de los Trífidos” (1951) abordaba el tema de las plantas carnívoras que se desplazaban por un mundo poblado por humanos ciegos. En “El Kraken Acecha” (1953), la Humanidad debía hacer frente a un ataque alienígena proveniente de los océanos. En “Las Crisálidas” (1955), describía un mundo postapocalíptico y la sociedad puritana resultante. Y en “Los Cuclillos de Midwich” (1957), narraba cómo un pueblo era aterrorizado por niños de origen extraterrestre con habilidades mentales.
Tras su excelente álbum “Diagnósticos”, los autores argentinos Diego Agrimbau y Lucas Varela cambian por completo de registro en su siguiente colaboración, planteando una obra de ciencia ficción que arroja una mirada crítica hacia ese rincón oscuro de nuestra propia naturaleza que nos impide, incluso teniendo buenas intenciones, entender que modificar el entorno para adaptarlo a nuestras necesidades, “mejorarlo”, acaba generando conflictos entre nuestra especie y el resto del ecosistema de cuyas complejas interrelaciones depende nuestra propia supervivencia.
La nostalgia puede ser una buena forma de desconectar de las preocupaciones y desvelos cotidianos. Resulta reconfortante retroceder en el tiempo con la mente y rememorar los mejores momentos y experiencias de nuestra juventud a través de la música, la moda o el cine. Pues bien, precisamente eso, la nostalgia, es lo que pretende evocar “Pixels”, una versión moderna y –por desgracia- fallida de “Los Cazafantasmas” (1984) en clave de Ciencia Ficción, aunque sin el carisma ni el ingenio de aquélla.
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“Los Cazadores Cósmicos” se publicó originalmente en la revista “Imagination” en su número de julio de 1953.
El capitán Shure es el comandante de una nave de patrulla policial interplanetaria en el sistema Sirio que detecta un carguero adharano con unas estructuras sospechosas viajando por una zona que los acuerdos han adjudicado a la Tierra. Sin saber al principio si son piratas o espías del ejército adharano, observan los movimientos de la nave. Los adharanos son una especie insectoide y participan en algunas organizaciones comerciales galácticas, pero su cultura es un enigma. La nave parece estar visitando todos los planetas del sistema, incluso los que no tienen interés. Shure, decidido a averiguar qué es lo que están recogiendo en esos mundos, se adelanta, aterriza en uno de ellos que una vez albergó otra civilización y espera la llegada de los adharanos.
"Furiosa” es la quinta entrega de la saga de “Mad Max”, creada y dirigida enteramente por George Miller. La serie comenzó 45 años antes con “Mad Max” (1979), una intensa y contundente película de acción que seguía la historia del patrullero Max (Mel Gibson) en un futuro cercano en el que una civilización en decadencia se acercaba rápidamente al colapso. La segunda parte, “Mad Max 2” (1981), marcó un punto de inflexión y elevó la saga a otro nivel, expandiendo ese mundo ya como escenario postapocalíptico y creando para él una serie de emocionantes secuencias de acción. Su enfoque visual y diseño de personajes fueron muy influyentes, siendo replicados en numerosas películas de serie B e incluso videos musicales de la época. Miller regresó como codirector para cerrar de forma algo irregular una primera trilogía: “Mad Max: Más Allá de la Cúpula del Trueno" (1985).
Mucha gente, incluyéndome a mí, opina que “Héroes Fuera de Órbita” (1999) fue una de las mejores películas de Star Trek jamás realizadas aun cuando en realidad era una parodia de aquella franquicia. El director y guionistas de ese film comprendieron lo que hizo grande a Star Trek mejor de lo que lo hicieron tantos otros directores y guionistas que participaron en las películas de la franquicia, salieran éstas adelante o se quedaran en meros proyectos. Pues bien, el productor, guionista y director Seth McFarlane demostró con su serie “The Orville”, que él era uno de esos pocos elegidos.
Es el año 2078. Años atrás, en el planeta Sirius B, una alianza de mineros se alzaron contra sus amos corporativos, el Nuevo Bloque Económico o NEB, cuando se descubrió que el mineral de berinio que extraían era radioactivo. Siguió una larga guerra en la que la principal arma de la Alianza fueron un tipo de robots autoreplicantes llamados Screamers que se entierran en la arena y ceniza radiactivas y asesinan con sus afiladas sierras a todo aquel que no lleve en la muñeca una pulsera electrónica que lo identifica como miembro de la Alianza.
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“La Viejecita de las Galletas” apareció publicada originalmente en “Fantasy Fiction” en junio de 1953.
Bernard “Bubber” Surle visita, como de costumbre desde hace algún tiempo, a una anciana vecina, la señora Drew. Como siempre que él llega a su casa, ella le prepara leche y galletas, que Bernard come ávidamente mientras la señora Drew lo observa y lo convence para que se quede y le lea un libro. Mientras el muchacho lee en voz alta su texto escolar de geografía, vuelve a suceder el mismo fenómeno que en visitas anteriores: la señora Drew rejuvenece momentáneamente. Pero la breve transformación termina cuando Bernard deja de leer y dice que tiene que irse. La anciana le ruega que vuelva a visitarla.
En la década de los 80 y primeros 90, Arnold Schwarzenegger no sólo fue uno de los iconos del cine de acción sino un actor que cambió el género y lo imprimió a fuego en el recuerdo de toda una generación de espectadores. Sin embargo, a finales del pasado siglo, su estrella había empezado a declinar tras participar en una serie de fracasos comerciales como “El Último Gran Héroe” (1993) o “Batman y Robin” (1997). Durante ese periodo, el actor se esforzó sin éxito por recuperar su estatus de héroe de acción en películas como “Eraser” (1996) o “El Fin de los Días” (1999). Tampoco “El Sexto Día”, para el que se rodeó de un director y unos actores secundarios a priori competentes en un último intento de replicar glorias pasadas, le trajo a Schwarzenegger el éxito que esperaba aun cuando pueda considerársele el mejor film de entre los que protagonizó esos años.
