Si se le pregunta a un aficionado acerca de autores famosos de CF, Murray Leinster no será probablemente uno de los primeros nombres que vendrán a su mente. Incluso en vida, gozando del respeto de sus colegas, Leinster quedó marginado por el resplandor de otros escritores más populares. Pero fue él quien acuñó el término “Primer Contacto” en el cuento con ese título, una de las primeras y más influyentes historias sobre encuentros con alienígenas. Repasando su extensa carrera, es fácil comprobar que en sus diferentes etapas, Leinster supo ofrecer historias novedosas con ideas que le hacen merecedor de un mayor reconocimiento del que actualmente tiene.
(Viene de la entrada anterior)
Cuando se estrenó el primer tráiler de “Avatar”, cundió cierto pánico entre los ejecutivos del estudio a tenor de los comentarios sarcásticos que empezaron a saltar desde internet, acusando a lo poco visto de videojuego de alta definición y equiparando a los Na´vi con los Pitufos. Sin embargo, una vez que pudo verse la película entera en pantalla grande, sólo los más resentidos y puntillosos podrían quejarse de los resultados.
Si “Avatar” tiene algún problema, no es el que la mitad del metraje pueda considerarse animación digital. A diferencia de algunas de las incursiones en ese formato de, por ejemplo, Robert Zemeckis (“Beowulf”, 2007; o “Cuento de Navidad”, 2009), en las que también se utilizó tecnología de captura de movimiento y cuyo resultado fueron unas figuras poco agraciadas y a mitad de camino entre lo real y lo artificial, en “Avatar” no se nos recuerda que estamos ante un producto animado. No sólo es que no se pretenda recrear en pantalla a un humano (se supone que los Na´vi son alienígenas y extraños) sino que la fusión entre la acción real y la animación digital con captura de movimiento es tan perfecta y sofisticada que la divisoria entre ambas es irrelevante hasta el punto de que la mayoría de los espectadores ni siquiera pensaron durante su visionado que estaban viendo animación. Fue ese logro, así como la gran definición y detalle con la que se retrataba un mundo inexistente, lo que hizo de “Avatar” un gran salto adelante en el campo de los efectos especiales.
Buena parte de la cobertura que los medios de comunicación ofrecieron de “Avatar” se apoyó en titulares del tipo: “James Cameron, el director de “Titanic” (1997), vuelve a las pantallas de cine tras una ausencia de doce años”. Da la impresión de que muchos de esos articulistas tenían poco menos de veinte años y que no comprendían lo mucho que James Cameron había cambiado el rostro del cine moderno antes de “Titanic”. Cameron es el padre de la revolución digital en el cine; la persona que prácticamente en solitario transformó el cine de acción en un producto sostenido primordialmente por el espectáculo visual. Sin James Cameron, no habrían existido Roland Emmerich, Stephen Sommers, Michael Bay, Hermanos/as Wachowski o Peter Jackson. No digo que éstos no se hubieran dedicado al cine igualmente, pero es muy probable que el trabajo que han venido desarrollando desde hace más de dos décadas hubiera sido muy diferente de no haber existido los cimientos que para ellos dejó Cameron.
Más de ciento veinte años pasaron desde que apareciera por primera vez “La Guerra de los Mundos” (1898) de H.G.Wells hasta que la BBC realizara su propia adaptación televisiva, ya en un siglo y en un momento en el que este medio ha alcanzado estándares de calidad nunca soñados antes en el género. Y el formato elegido fue el de una miniserie de tres episodios largamente anunciada y esperada por los fans de la ciencia ficción.
Sobre “Dune”, la novela, y su importancia para la ciencia ficción ya hablé extensamente en su respectivo artículo así que no me voy a repetir aquí con lo allí expuesto. Recordemos únicamente que fue una obra de gran éxito que sintetizó muchos de los temas de interés de la esfera contracultural de los sesenta: preocupación por el deterioro del medioambiente, protestas políticas (incluso violentas) contra la autoridad oficial, misticismo, religión, drogas y estados alterados de conciencia. Su fama dio de comer a su autor, Frank Herbert, hasta su muerte en 1986; y después y durante décadas, a su hijo mayor, Brian. El propio escritor firmó cinco secuelas de interés decreciente pero su popularidad fue tal que la saga, convertida en franquicia, sobrevivió a la desaparición de su creador en la forma de todo tipo de productos, principalmente sagas de novelas firmadas por Brian y Kevin J.Anderson.
Una de las grandes aportaciones de las revistas de comics que poblaron los quioscos españoles en los años ochenta fue la de servir de escaparate y plataforma de lanzamiento a multitud de autores que de otra forma hubieran tenido difícil entrar en el mundo de las viñetas. Podía ser que su bisoñez les impidiera plantearse la publicación de un álbum pero las revistas les ofrecían la posibilidad de, mediante historias cortas, ir madurando su arte y autoconfianza; y en otras ocasiones porque su estilo era tan personal que, a priori, no estaba claro que fueran a conectar con una mayoría de lectores. Quizá fue ese el caso de Toni Garcés, uno de los ilustradores con más talento y personalidad de la CF española.
Mike Judge se hizo muy conocido en los años 90 del pasado siglo por ser el creador y la voz de dos de los personajes más famosos de la cultura popular de la época, Beavis and Butt-Head, cuya serie de animación emitió la MTV de 1993 a 1997. Judge dirigió el largometraje para cines del detestable dúo (“Beavis y Butt-Head Recorren America”, 1996) y luego debutó en la imagen real con la corrosiva “Trabajo Basura” (1999). “Idiocracia” fue su tercera película, que escribió conjuntamente con Etan Coen (ninguna relación con el hermano Cohen de Joel), con quien ya había colaborado en episodios de sus series de animación y que luego firmaría los libretos de películas como “Madagascar 2” (2008), “Men in Black 3” (2012) o “Holmes & Watson” (2018).
Tras los serios tropiezos que algunos estudios tuvieron con películas de ciencia ficción en las que habían invertido mucho dinero, durante los años cuarenta el género quedó en letargo en el cine y sólo algunos seriales se atrevieron a incluir ciertos elementos propios de la CF en sus guiones aun cuando éstos fueran claramente de temática aventurera o criminal. Fue el caso, por ejemplo, de “Fighting Devil Dogs” (1938) o “El Misterioso Dr.Satán” (1940), ambos de Republic; o “El Acecho del Fantasma” (1939), de Universal, con Bela Lugosi interpretando a un científico loco que controlaba un robot. Pero fue “The Purple Monster Strikes” uno de los pocos que pueden calificarse claramente de ciencia ficción.
“The Purple Monster Strikes” apareció el 3 de agosto de 1945, cuando la Segunda Guerra Mundial estaba llegando a término y Estados Unidos ya saboreaba la victoria definitiva. Refleja, por tanto, ese fervor patriótico y confianza en sus posibilidades de enfrentarse y derrotar a un enemigo invasor.
