Para cuando publicó sus dos primeras novelas fantacientíficas a comienzos de los años cuarenta del siglo pasado, el francés René Barjavel, aunque no estaba completamente solo, bien podía considerarse uno de los sufridos profetas del desierto de la CF francesa, completamente desconectada entonces del mundo literario anglosajón. Julio Verne y Albert Robida habían quedado muy atrás y el género en su vertiente norteamericana no empezaría a llegar al país hasta terminada la Segunda Guerra Mundial, en 1945. Y todavía tendrían que pasar bastantes años más hasta que autores como Asimov, Simak, Clarke o Lovecraft salieran de los reducidos círculos de aficionados a la ciencia ficción. De hecho, para cuando apareció su primera novela adscrita al género, “Destrucción” (1943), ni siquiera se había popularizado ese término y en Francia seguía utilizándose la definición de “novela científica” o “novela de anticipación”.
“La Isla de las Almas Perdidas”, versión cinematográfica que del libro de Wells se hizo en los años treinta, aún sus desviaciones respecto a la novela, sigue siendo hoy la mejor traslación de aquélla al celuloide. Dejando aparte las versiones filipinas no oficiales (“Terror is a Man”,1959; y “The Twilight People”,1972), el libro tendría que esperar hasta 1977 para recibir una nueva interpretación, esta vez con una factura más lujosa y a todo color. Fueron unos años en los que el estudio AIP (American International Pictures) decidió explotar el éxito de la franquicia de “El Planeta de los Simios” recurriendo al filón de la obra de Wells para tres películas: la que ahora nos ocupa, “El Alimento de los Dioses” (1976) y “El Imperio de las Hormigas” (1977), ninguna de las cuales ha pasado precisamente al Olimpo de los grandes clásicos del género.
“Moon” fue una película que llegó al público acompañada de una generosa dosis de expectación. Funcionó muy bien en festivales de todo el mundo y se llegó a rumorear que la doble interpretación que realiza Sam Rockwell iba a ser nominada para el Oscar. Los créditos incluían algunos nombres interesantes, empezando por el del director, Duncan Jones, hijo de una de las estrellas más importantes de la música rock: David Bowie. Tras labrarse una carrera como director de spots publicitarios, “Moon” fue el debut de Jones como realizador cinematográfico. Quizá gracias a los contactos de su padre, atrajo a su proyecto a otros nombres como la productora Trudie Styler, más conocida por ser la esposa de Sting.
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La sexta temporada de “Espacio Profundo Nueve” comenzaba en septiembre de 1997 con la Estación en manos de los cardasianos y los Jem Hadar. La Guerra está completamente desatada y durante algunos episodios vemos cómo klingons y fuerzas de la Alianza se baten en retirada incapaces de enfrentarse a la potencia del Dominio. Su única baza es que el agujero de gusano próximo a la Estación y que comunica con el Cuadrante Gamma, ha sido inteligentemente minado y el acceso de refuerzos del Dominio es imposible.
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En el verano previo al estreno de la quinta temporada, una nueva polémica empezó a gestarse cuando los actores de “Star Trek” acusaron a Paramount de no pagarles sus royalties por productos licenciados. La cuestión no era nueva y se remonta incluso a los tiempos de la serie original y las discusiones de William Shatner y Leonard Nimoy con el estudio. Cuando el segundo decidió demandar a Paramount, a punto estuvo de eliminarse el personaje de Spock de las películas de Star Trek. En cuanto a “Espacio Profundo Nueve”, Rick Berman afirmó al “Times” que nunca tuvo nada que ver con los contratos de licencia con los actores; y ejecutivos de Viacom Consumer Products declinaron discutir el asunto.
Las dos películas de Terminator dirigidas por James Cameron, en 1983 y 1991 respectivamente, son clásicos de la ciencia ficción y del cine de acción. Con la primera de ellas, “Terminator” (1984), el director hizo milagros con un presupuesto de serie B y se postuló como realizador en ascenso al mismo tiempo que consolidó a Arnold Schwarzenegger como el actor número uno del género de acción en los ochenta. Con la segunda, “Terminator 2: El Día del Juicio Final”, Cameron amplió la escala de lo ya mostrado en la primera hasta límites nunca vistos y haciendo de esa cinta una vara de medir para los efectos especiales y el cine de acción modernos. Dada la espectacular recaudación obtenida por esa segunda entrega (519 millones de dólares sobre un presupuesto de 102), era inevitable que antes o después se produjera una tercera. Inevitable, sí; pero no sencillo.
En 1974, tras la tibia recepción de su segundo álbum, “Adiós Brindavoine” (1972), Tardi no abandona el tratamiento del pasado para su siguiente proyecto. De hecho y antes de comenzar la que sería su colección más popular, “Las Aventuras de Adele Blanc-Sec” (1976), decide en “El Demonio de los Hielos” recuperar otra vez el espíritu del folletín de aventuras del siglo XIX y, concretamente, el universo de las novelas de su compatriota Julio Verne.
“El Pueblo de los Malditos” (1960), basada en la novela de John Wyndham “Los Cuclillos de Midwich” (1957), fue una película británica sobre invasiones alienígenas que bebía del auge norteamericano de ese subgénero pero que tenía un agradable sabor europeo. Su director, Wolf Rila, supo impregnarla de una atmósfera y suspense serenos que evocaba la pretendida ansiedad psicológica mucho mejor que sus equivalentes norteamericanos de la época. A mediados de los noventa, John Carpenter, director de culto especializado en cine fantacientífico, decide hacer un remake de esa cinta, algo que ya había intentado con éxito –no comercial en su momento aunque sí universalmente reconocido con el paso del tiempo- con “La Cosa” (1982).
En esta nueva edición del Tricorder conmemoramos el 50º aniversario de la llegada del hombre a la Luna comentando una selección de obras relacionadas con nuestro satélite:
Hablamos de los libros:
- De La Tierra a La Luna (y Alrededor de La Luna) de Julio Verne
- Luna Nueva de Ian McDonald
Los comics:
- Tintin en La Luna ("Objetivo: La Luna" y "Aterrizaje en La Luna") de Hergé
- Policia en La Luna de Tom Gauld
Las películas:
- El Viaje a La Luna de George Meliés
- Apollo XVIII de Gonzalo López-Gallego
- First Man de Damien Chazelle (Antonio Monfort)
Las series:
- Freedom
- Moonlight Mile (Albert PR17)
- Para Toda La Humanidad
Puedes escuchar o descargarte el programa aquí.
En el cambio de siglo, ya hacía algún tiempo que la costumbre de Hollywood de realizar remakes en lengua inglesa de películas foráneas había solido terminar en fiascos, como “Secuestrada” (1993), “La Asesina” (1993), “Diabólicas” (1996) o “Dos Colgados en Chicago” (2001). La filosofía que impulsa ese tipo de producciones es la presunción de que el público norteamericano es o bien incapaz de leer subtítulos o tan cautivo de sus prejuicios que se niega a ver películas que carezcan de nombres americanos en su reparto. En esa línea aparece en 2001 “Vanilla Sky”, una película que pese a llevarse duras críticas (en taquilla no le fue tan mal, recaudando en USA 100 millones de dólares sobre un presupuesto de 68), hay que admitir que es uno de los pocos remakes americanos respetuoso con el original además de ser una película digna en sí misma.
Sobre los comienzos literarios del canadiense A.E.van Vogt, uno de los pilares de la llamada Edad de Oro de la Ciencia Ficción, ya hablé someramente en la entrada dedicada a su obra “Slan” (1940). Su carrera, sin embargo, fue interrumpida por la religión en su versión de la Cienciología o, como se llamó en sus orígenes, Dianética, inventada por otro de sus colegas, L.Ron Hubbard, del que ya traté con cierto detalle en un artículo anterior. En 1950, van Vogt pasó a ser el responsable del chiringuito de Hubbard en California hasta que nueve meses después hubo de cerrar acosado por las deudas. No pasó mucho tiempo hasta que el escritor y su esposa abrieran su propio centro de Dianética financiado por sus escritos, hasta que él se retiró del mismo en 1961.
Puede resultar chocante para los fans de cierta edad, pero lo cierto es que muchos de los que acudieron a ver “Jurassic World” sólo conocían la franquicia iniciada por “Parque Jurásico” en 1993 a través de los pases por televisión o los dvd. Esto lleva a reflexionar sobre un par de asuntos. En primer lugar, sobre la longevidad de una franquicia capaz de llevar a la gente a las salas de cine veinte años después de su arranque y tras casi catorce sin haber ofrecido ninguna entrega nueva. En segundo lugar, quizá nos diga mucho acerca de cómo el Hollywood de hoy se empeña en reciclar las mismas ideas una y otra vez sin arriesgarse a abordar otras nuevas.
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Al término de la tercera temporada de “Espacio Profundo Nueve”, era evidente que la audiencia había ido desertando desde su estreno. Tomándose en serio las quejas de sus fans, los productores y guionistas realizaron cambios importantes en la serie y, así, cuando se estrenó la cuarta temporada el 2 de octubre de 1995, se tomaron elementos presentados en la tercera para desarrollarlos y poner así el foco en algo completamente diferente, especialmente si lo comparamos con la primera temporada.
"Cuando los mundos chocan", escrito en 1933 por Edwin Balmer y Philip Wylie y del que ya hablé en una entrada anterior, fue un relato típico de la época pulp de la ciencia ficción, de prosa floridamente acartonada, gran dramatismo, escasa caracterización y endebles aunque bienintencionados planteamientos científicos. Y aunque no fue ni mucho menos la primera novela de catástrofe planetaria (recordemos "Los días del cometa", "Hector Servadac", “La nube púrpura”, “El segundo diluvio… ) sí fue una de las más influyentes en los años venideros. Inspiró la creación de "Flash Gordon" (1934); y Jerry Siegel y Joe Shuster tomaron de él algunas ideas y las mezclaron con elementos de "Gladiador" para crear "Superman" (1938).
“Men in Black” (1997) fue un enorme éxito de taquilla en su momento; tanto, de hecho, que sólo fue superado en ingresos aquel año por “Titanic” (1997). En 2002, volvió a reunirse el mismo equipo responsable para realizar la secuela: actores protagonistas, el director Barry Sonenfeld, el compositor Danny Elfman y la Industrial Light and Magic en los efectos especiales.
Tengo que admitir que no soy el mayor fan de la saga de Men in Black. No es que me disguste sino que me parecen películas moderadamente disfrutables mientras duran pero que no dejan la menor huella en mente o corazón. De las cuatro que se han rodado hasta la fecha, la segunda es con diferencia la peor de todas. Mientras que la primera película podía disfrutarse gracias a la originalidad de la premisa y un peculiar humor seco y autoparódico, la segunda es un producto muy mediocre y escasamente recomendable.
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El tercer volumen, “Dejando el Siglo XX”, reúne los episodios 13 al 18. En 1919, en Alemania, Elijah Snow visita el castillo en ruinas del doctor Frankenstein para hacerse con un mapa secreto del mundo. Luego lo vemos ir a Londres para completar su adiestramiento como detective con ayuda de Sherlock Holmes y Drácula (nº 13). En el nº 14, ya de vuelta en 1995, Snow sigue la pista de un bastón mágico que le permitirá acceso a un poderoso martillo y un arsenal de armas colocadas en otro plano dimensional por sus enemigos, Los Cuatro (en claro homenaje al Martillo Mjolnir de Thor). En la actualidad, Elijah Snow y Jakita Wagner visitan a la viuda de su fallecido compañero, Ambrose Chase, antes de contemplar el despertar de unos espíritus primordiales en el desierto australiano (nº 15). Tras una aventura en solitario de Snow al estilo de las películas de artes marciales “saltarinas” (nº 16) en la que se cierra una importante alianza, volvemos a retroceder al pasado para, vía el mito de Tarzán y el subgénero de Mundos Perdidos (nº 17) averiguar el origen de Jakita Wagner. Y ya de vuelta al presente, en el número 18, el trío protagonista recobra una cápsula espacial que fue lanzada en 1851 (homenaje a la novela “De la Tierra a la Luna”, de Julio Verne).
A pesar de su accidentada salida de la colección
“Hellblazer”, publicada por Vértigo/DC,
Warren Ellis mantuvo su estatus de guionista respetado e imaginativo gracias a
series como “Stormwatch” o “Transmetropolitan”. En 1999 aparecen las
colecciones que van a colocar a Ellis en una subcategoría propia de guionista.
A primera vista, “The Authority” y “Planetary” parecían productos típicos del
sello Wildstorm de Jim Lee, con héroes moralmente cuestionables combatiendo
extrañas e incomprensibles amenazas mientras lanzan frasecitas contundentes y
exhiben llamativos superpoderes. Sin embargo, un vistazo más pausado nos revela
que estos nuevos comics de Ellis ofrecían una nueva narrativa para un nuevo
milenio. “The Autority” y “Planetary” tenían un estilo propio y diferenciado
del de los clásicos tebeos de Marvel o DC.
Escritor de fulgurante ascenso dentro del género fantacientífico español, el madrileño Carlos Sisí se ganó el aprecio del público con su obra de debut, la trilogía zombi de “Los Caminantes” (2009-2014). Tras esta incursión en el terror puro, se adentra con “Panteón” en la space opera de inspiración clásica adaptada a la sensibilidad de los lectores modernos y más jóvenes, un libro que combina la aventura y la acción espaciales con el terror de corte lovecraftiano.
“El Pueblo de los Malditos”, adaptación al cine de la novela “Los Cuclillos de Midwich” (1957), de John Wyndham, ha sido una cinta a menudo infravalorada y tachada de fría y sin corazón. Otros, en cambio, se han atrevido a decir que es un film de ciencia ficción perfecto, una historia a la que no le sobra ni falta nada. Lo cierto es que para muchos aficionados esta modesta producción de la MGM es incluso mejor que el libro original, ya que recoge su atmósfera siniestra y amenazadora pero mejorando su ritmo narrativo y añadiendo cierto sentido de lo maravilloso.
Casi toda la ciencia ficción cinematográfica de los años cincuenta del pasado siglo incluía de una u otra forma el espectro de la guerra nuclear y las tensiones de la Guerra Fría. A veces se enmascaraban esos miedos bajo la forma de monstruos revividos por la radiación atómica que causaban la destrucción por doquier antes de ser aniquilados por las fuerzas del orden; o en historias de supervivencia en la que un grupo de hombres y mujeres arreglaban sus diferencias y se disponían a repoblar y construir un nuevo y mejor mundo.
Los comics siempre han tenido una relación muy cercana y privilegiada con la ciudad. Al fin y al cabo, es una forma artística que nació y se desarrolló en el contexto urbano y destinada a entretener a las masas de trabajadores que afluían a las ciudades a comienzos del siglo XX, extendiéndose paulatinamente a otros estratos sociales. Ello hace que la ciudad sea un tema rico y extenso que la mayoría de las veces sólo ha ocupado el papel de decorado sobre el que transcurre la acción principal. Pero hay una excepción insigne a esa norma: “Las Ciudades Oscuras” lleva tres décadas haciendo de la ciudad, su forma, su fondo, su evolución y su influencia, el núcleo principal de las historias que cuenta.
Este año nos soltamos el pelo y montamos una fiesta de Halloween en la Retardis proponiendoos una maratón de cine de terror y C-F. Películas que de alguna manera comparten los dos géneros. Para ello nos echa una mano Julio Corchón, cinéfilo especialista en cine de terror.
Las pelis que vamos a comentar son:
- El Frankenstein de Edison (1910)
- El Gabinete del Doctor Caligari (1920)
- El Hombre Invisible (1933)
- Satanás (1934)
- El enigma… de otro mundo (1950)
- La guerra de los mundos (1953)
- Vinieron del Espacio (1953)
- Invasores de Marte (1953)
- La invasión de los ladrones de cuerpos (1956)
- El Increible Hombre Menguante (1957)
- It! the terror from beyond space (1958)
- The Angry Red Planet (1959)
- Plan 9 del Espacio Exterior (1959)
- El Pueblo de los Malditos (1960)
- La Semilla del Espacio (1962)
- El Cerebro Que No Quería Morir (1962)
- El Último Hombre sobre la Tierra (1964)
- Terror en el espacio (1965)
- ¿Qué paso entonces? (1967)
- La Cinta de Piedra (1972)
- Red Shift (1978)
- Alien (1979)
Podéis escuchar el programa en este enlace
Podéis consultar más detalles sobre estas películas en:
https://boxd.it/3SG8s
Y podéis ver gran parte de ellas en esta comunidad de la red social Vkontakte que hemos creado en exclusiva para el podcast:
https://vk.com/public187975111
Las Hermanas Wachowski –originalmente conocidas como Hermanos Wachowski hasta que Larry se cambió el sexo para convertirse en Lana y su hermano Andy hizo lo propio poco después de estrenarse el film que ahora comento- son realizadoras de culto sobre todo gracias a su influyente “Matrix” (1999). Su aureola mística viene potenciada por su aversión a la publicidad de ningún tipo, hasta el punto de que sus contratos estipulan que no participarán en la promoción de ninguna de sus películas.
Con “Memorias de Un Hombre Invisible”, John Carpenter quiso recuperar el espíritu de Alfred Hitchock en “Con la Muerte en los Talones” pasado por el filtro de Philip K.Dick. Es un intento de recrear la dinámica de aquélla inolvidable película mezclando ciencia ficción, comedia, acción y suspense, pero los problemas de producción dieron como resultado una película deslavazada. Una lástima, considerando que el tema del Hombre Invisible siempre ha tenido mucho potencial tanto dramático como cómico.
Leigh Whannell apareció por primera vez en el radar de los aficionados al cine fantacientífico como coguionista y coprotagonista de “Saw” (2004). Junto a su buen amigo James Wan, firmó a continuación los libretos de “Silencio desde el Mal” (2007), y las dos primeras entregas de Insidious (2010 y 2013). También escribió “Dulces Criaturas” (2014) y “The Mule” (2014) para otros directores, además de aparecer como actor en diversos films. Su debut como realizador vino con la tercera película de Insidious (2015), siendo “Upgrade” su segunda cinta en la silla de director.
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Es posible que para quien no esté particularmente interesado en los debates políticos y las extrapolaciones sociales, esta novela se haga árida en varios de sus pasajes porque hay muchos discursos y reflexiones al respecto. De todas maneras y aunque se tengan reservas respecto a la viabilidad de un sistema político-social como el que describe Heinlein, describe con tanta convicción los entresijos del gobierno lunar, las intrigas entre las naciones de la Tierra, el conflicto primero diplomático y luego bélico entre metrópoli y colonia, que resulta fácil obviar las incongruencias, las grietas en el sistema plantea y ejercitar con éxito la suspensión de la incredulidad. El libro convence al lector de que las cosas, dado el tablero, las reglas y los peones en juego, bien podrían suceder de esa manera, con cada evento fluyendo lógica y verosímilmente del inmediatamente anterior y preparando a su vez el siguiente. Los libros de ciencia ficción política y militar tienden a tropezar cuando pasan del nivel táctico al estratégico o viceversa; no es el caso de “La Luna es una Cruel Amante”.
Durante la década de los años cuarenta del pasado siglo, “Astounding Science Fiction” fue la revista más importante del género. Pero su influencia empezó a decaer tras la Segunda Guerra Mundial, dejando paso a otras cabeceras como “Galaxy Science Fiction” y “The Magazine of Fantasy and Science Fiction”, que competían por el interés de los lectores contratando a los mejores autores del momento.
El formato “Found Footage” o “metraje encontrado” se ha convertido desde hace un par de décadas en un subgénero en sí mismo, una manera de narrar historias a todas luces sobreexplotada. Su popularidad empezó de verdad con “El Proyecto de la Bruja de Blair” (1999), que invitaba a los espectadores a participar de la ficción de estar ante una película auténtica rodada por aficionados con una cámara portátil y hallada tras los terroríficos sucesos que se narran en la película.
Antes de que el formato VHS hiciera posible volver a ver las películas favoritas tantas veces como uno deseara, las novelizaciones y adaptaciones al comic de aquéllas eran las únicas opciones que tenían los aficionados para revivir las sensaciones obtenidas en su visionado original en cines. Mientras que la mayoría de estos comics no fueron más que productos del montón destinados a aprovecharse económicamente del éxito ajeno y en los que los autores no invertían más esfuerzo del estrictamente necesario, hubo excepciones que supieron ir más allá y ofrecer productos por encima de la media. Por ejemplo, la adaptación en seis partes que Marvel hizo de “Star Wars” en el verano de 1977, salvó a la compañía de pasar un duro trago financiero y dio lugar a una de sus series de comics más vendidas durante años.
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Un año después de “Terminator 2”, los efectos de morphing habían sido adoptados por cientos de anuncios publicitarios, vídeos musicales y películas de ciencia ficción y fantasía. Cameron creó con esta película lo que iba a ser toda una nueva tecnología imprescindible para entender el cine de ciencia ficción y acción de los noventa y dos miles. Sólo en los dos años siguientes veríamos ciberespacios creados con la misma tecnología en el “El Cortador de Césped” (1992) y dinosaurios en “Parque Jurásico” (1993). Es más, aunque las películas de acción ya incluían persecuciones automovilísticas y peleas, Cameron aumentó el nivel de espectacularidad, tanto en lo que se refiere al aspecto visual como en su sentido épico. De aquí beberían muchos otros realizadores con mayor o menor talento que firmarían títulos como “Speed” (1994), “Armageddon” (1998), “La Momia” (1999), o “Pearl Harbor” (2001), por nombrar solo un puñado de los imitadores más banales.
Si se quiere encontrar una serie de películas cuya progresión refleje la del propio género de la ciencia ficción en Hollywood, la de Terminator es una buena opción. En su recorrido se suceden una película barata de serie B, extravagancias de alta tecnología y presupuestos astronómicos, refritos poco acertados que intentan explorar nuevos caminos sin demasiada valentía y una calculada franquicia en la que se incluyen comics, videojuegos y serie de televisión. Está todo aquí.
El realizador de origen alemán Roland Emmerich se ha ganado justificadamente la reputación de ser un director obsesionado por el espectáculo y la destrucción. Durante la década de los noventa del pasado siglo, obtuvo un éxito arrollador con “Independence Day” (1996), con la que el género de desastres, ayudado por las tecnologías digitales, no sólo resucitó sino que alcanzó nuevas cuotas. Desde entonces, Emmerich no ha perdido su puesto como cabeza de grandes superproducciones de ciencia ficción, como “Godzilla” (1998), “El Día del Mañana” (2004) o “10.000 B.C.” (2008). Sus puntos fuertes son, claro está, los efectos especiales y su fetichismo por las escenas de destrucción masiva, especialmente en lo que se refiere a iconos característicos de países y ciudades; por el contrario, sus puntos débiles son los personajes planos, los malos diálogos y las tramas que parecen montadas a base de coser viejos tópicos de la ciencia ficción. Esto es básicamente todo lo que puede uno encontrar –y que debe de aceptar si quiere extraer de ello algo de entretenimiento- cuando se enfrenta a una película de Roland Emmerich. “2012” no es una excepción.
En nuestra quincuagésima cuarta edición volvemos a unos de los grandes de la C-F: H.G. Wells. Esta vez analizaremos su obra "La isla del Doctor Moreu" y comentaremos las diferentes adaptaciones que se han hecho al cine, principalmente las de 1932, 1977 y 1996.
Puedes encontrar el programa en este enlace.
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La tercera temporada de “Espacio Profundo Nueve” comenzó en septiembre de 1994 con una historia en dos partes, “La Búsqueda”, en la que se presentaron varios elementos importantes que cambiaron la serie por completo. El comandante Sisko regresa de una reunión en el Cuartel General de la Flota en la Tierra al mando de una nave muy avanzada, el Defiant, diseñado y fabricado para enfrentarse a los Borg y armado con un poder de fuego superior al de cualquier otro navío así como de un sistema de camuflaje de tecnología romulana. Esta innovación permitió a los guionistas ambientar más fácilmente historias en el espacio u otros planetas. Behr había rogado al productor Rick Berman que le dejara incluir una nave emblemática que pudiera enfrentarse al poder bélico del Dominio y, no sin esfuerzo, lo había logrado. Era la pieza que faltaba para dar mayor flexibilidad, alcance y épica a la serie.
Es casi seguro que el proyecto de la película “La Carretera” recibió el visto bueno en la misma época en la que “No Es País para Viejos” (2007), de los hermanos Cohen, ganó el Oscar a la Mejor Película de aquel año junto a otros premios. Ese film era la adaptación cinematográfica de una novela de 2005 escrita por Cormac McCarthy. Y coincidiendo con todo ello, su último libro, “La Carretera” (2006), recibió unas críticas excelentes; tan buenas, de hecho, que ganó el Premio Pulitzer de Literatura. El programa televisivo de Oprah Winfrey le granjeó una buena cantidad de nuevos lectores gracias a la entrevista que le hizo en su programa. De repente, todo el mundo empezó a interesarse por el trabajo de McCarthy y se planificaron varias adaptaciones de sus libros (de los cuales sólo han salido por el momento “El Consejero”, 2013, para la que el propio autor realizó el guion; y “Child of God”, sobre un asesino en serie necrófilo).
