Las películas japonesas de Godzilla conforman una de las series cinematográficas más longevas de todos los tiempos. Tanto es así, que la que ahora nos ocupa, “Godzilla Minus One”, es la entrega trigésimotercera y se estrenó poco antes del septuagésimo aniversario del primer film, “Godzilla” (1954).
El director francés Luc Besson fue el responsable de algunos de los mejores y más estilizados films de acción de los años 90, como “Nikita, Dura de Matar” (1990) o “León el Profesional” (1994), así como de otras cintas más infladas pero menos eficaces, como “El Quinto Elemento” (1997) o “Juana de Arco” (1999). A finales de esa década y comienzos de la siguiente, Besson asumió sobre todo el papel de productor, apoyando y habitualmente escribiendo proyectos para otros directores. “Distrito 13” fue uno de ellos.
Cuando uno piensa en comics de CF, lo más probable es que la escuela belga de la revista “Spirou” no sea lo primero que venga a la cabeza. Ello quizá se deba al eclecticismo temático del que siempre ha presumido esa cabecera (cuyas historias iban de la aventura a la fantasía pasando por el humor o el costumbrismo) así como a una orientación que muchos considerarían infantil-juvenil pero que, habida cuenta de su calidad global, yo prefiero calificar “para todos los públicos”. En cualquier caso, la revista sí dio origen a algunos personajes y series que pertenecen al género y que, además, demostraron una capacidad de supervivencia transgeneracional superior a muchos comics más laureados. Ahí tenemos, por ejemplo, a “Quena y el Sacramús”, “Yoko Tsuno” o “Jeremiah”, los tres con una ambientación, temática y dibujo completamente diferentes. “Los Hombrecitos” fue otra de esas series veteranas que merece la pena reivindicar.
“Hard Boiled” fue la obra de debut americano de Geof Darrow y se publicó cuatro años después de que la industria del comic de ese país experimentara una profunda transformación a tenor del impacto que causaron obras como “El Regreso del Caballero Oscuro” (1986), de Frank Miller, y “Watchmen” (1986), de Alan Moore. Este comic de ciencia ficción distópica asienta sus bases en esas obras y propone una exploración iconoclasta, radicalmente genial y desafiante de la violencia en el medio audiovisual.
Resulta trágicamente irónico que en la Era de la Información en la que supuestamente vivimos, existan tantos creyentes en las teorías conspirativas más absurdas que imaginarse pueda. Las razones para ello han sido abundantemente estudiadas por sociólogos, psicólogos y politólogos y van desde la sensación de poder que brinda el encontrarse en posesión de un supuesto conocimiento secreto sólo compartido por una élite de marginados pero “bien informados”, a la necesidad de dar sentido a un mundo complejo, a menudo caótico y sobre el que no tenemos ningún control.
Para algunos críticos, Irwin Allen no fue un narrador de historias, sino alguien obsesionado por el espectáculo. El creador de las más populares series de televisión de CF con espíritu pulp de los 60, sigue siendo visto por aquéllos como una especie de aberración, alguien más interesado en apelar a la –teóricamente- más sencilla audiencia infantil y aficionada a la fantasía que al público serio e intelectual que veía "La Dimensión Desconocida" (1959-1964), “Rumbo a lo Desconocido” (1963-1965) o "Star Trek" (1966-1969). Sin embargo, lo cierto es que había espacio para ambas aproximaciones en las parrillas de programación y público suficiente tanto para la CF política y reflexiva como para aquella centrada en la aventura y el espectáculo colorista.
David Lynch siempre ha tenido dificultades para sacar adelante sus proyectos. La producción de su primera película, “Cabeza Borradora” (1977) se prolongó cuatro años y estuvo lastrada por todo tipo de problemas, la mayoría de ellos relacionados con el dinero. Más de veinte años después, la realización de su quinto film, “Mulholland Drive” (2001) le llevó casi el mismo tiempo, aunque por razones completamente diferentes.
