Puede que una de las razones por las que la figura de Hitler haya ejercido tanta atracción y durante tanto tiempo en tantos escritores de CF es que, durante el siglo XX, hubiera algo de filonazi en las machistas fantasías de poder de una parte del género. El escritor norteamericano Norman Spinrad así lo comprendió y decidió denunciarlo a través de una novela ucrónica, “El Sueño de Hierro”, nominada al Premio Nébula de 1973.
“Antiviral” es una película sucia, incómoda, rara, desconcertante, incluso grotesca. No es para aprensivos. Y esto lo digo en el buen sentido, porque también es una cinta inteligente dentro del lúgubre panorama que propone. Se trata de una inquietante exploración de la relación que mantiene el público y los medios con los famosos y hasta dónde son capaces de llegar las personas para crearse la ilusión de estar cerca de sus ídolos.
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El quinto y último volumen de la serie, que comprende los números 41 a 50 de la colección original más un especial, concluye la crónica del mandato del alcalde de Nueva York, Michell Hundred, narrando los traumáticos acontecimientos que marcaron su último año en el puesto además de ofrecernos un vistazo a su no muy ejemplarizante futuro.
En 1967, el rock ‘n’ roll era el sonido de una generación que se sentía con el poder para cambiar el mundo. Al menos, así es como la nostalgia quiere recordarlo, con su idealizado Verano del Amor, el flower-power y “Sgt Peppers”. Los disturbios de Mayo del 68 y la muerte de una joven en el festival de Altamont del 69 aún quedaban en el futuro.
John Wyndham (1903-69) fue un escritor británico de Ciencia Ficción que vivió su periodo más brillante a partir de los años 50, con novelas hoy consideradas clásicas como “El Día de los Trífidos” (1951), “El Kraken Despierta” (1953), “Las Crisálidas” (1955) o “Problemas con los Líquenes” (1960). Wyndham se especializó en ficciones en las que individuos de la clase media británica hacían frente con estoicismo y dignidad a catástrofes sobrecogedoras.
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Lo extraño del cuarto y penúltimo volumen (con los números 30 a 40 de la colección original) de este sobresaliente comic de ciencia ficción, política y superhéroes es lo divertido que resulta su lectura. No estoy sugiriendo, ni mucho menos, que los tres primeros recopilatorios no estén al mismo nivel, pero este cuarto desprende una sensación de alegría propia de autores que están disfrutando con su trabajo y que controlan plenamente el tono y dirección de su obra. En el volumen anterior, el lector podía legítimamente temer que la subtrama de la "conspiración" acabara apoderándose de la saga cuando el final se aproximara, pero la verdad es que aquí sigue siendo tan fascinante e impredecible como al principio.
A menudo, las películas de Ciencia Ficción de la década de los 50 del pasado siglo han sido analizadas e interpretadas como alegorías sobre el miedo al comunismo, un reflejo en clave de entretenimiento de las advertencias, incluso paranoia, propiciadas por las autoridades norteamericanas de la época. Hay que decir que los historiadores del cine y de este género en particular han caído no pocas veces en la sobreinterpretación, tendiendo a ver en todas las películas que incluían miedo a un enemigo sin rostro una alegoría de la infiltración comunista.
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El volumen 3, que comprende los números 21 a 29 de la colección regular más un par de especiales, nos sitúa a mitad de la saga del superhéroe nombrado alcalde de la ciudad de Nueva York y, por tanto, hora de que Vaughan y Harris suban la apuesta. Los tres hilos centrales de la serie (el periodo de ejercicio de Hundred en su cargo, su pasado como superhéroe y el misterio que rodea el origen de sus poderes) empiezan ahora a entrelazarse e interaccionar de formas diversas e interesantes. Desde el principio, cabía la duda de cómo Vaughan iba a conseguir equilibrar todos esos planos narrativos tan diferentes –cada uno con sus propios temas y personajes- en una colección que no iba a ir más allá del medio centenar de números. A medida que las cosas empiezan a tomar impulso, ya queda claro en cuál de estos hilos se va a centrar Vaughan sobre los demás.
“El Que Susurra en la Oscuridad” es una de las historias más largas de H.P.Lovecraft. Con algo más de 25.000 palabras, solo hay otras cuatro (“El Caso de Charles Dexter Ward”, “La Búsqueda en Sueños de la Ignota Kadath”, “Las Montañas de la Locura” y “La Sombra sobre Innsmouth”) que la superan en longitud, aunque no en el dinero que le reportó a su autor: 350 dólares, una suma respetable por entonces. La historia se publicó íntegra en el número de Agosto de 1931 de “Weird Tales”, siendo bien recibida por los lectores de esa revista.
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Es interesante cómo cambian los tiempos sin que en el fondo parezcan cambiar demasiado las cosas. “Ex Machina” fue originalmente publicada en agosto de 2004, escrita por un neoyorquino como una especie de respuesta a los ataques terroristas del 11-S. Es un comic producto de un tiempo en el que el país necesitaba héroes y líderes más que políticos y diplomáticos. ¿Es la idea de un superhéroe ocupando la Mansión Gracie –la residencia del alcalde neoyorquino- más inverosímil que la de un actor de westerns en la Casa Blanca? Sin embargo, leída con la perspectiva que da el tiempo, puede decirse que la obra no ha perdido actualidad ni relevancia veinte años después de su aparición, lo cual dice mucho del talento de Vaughan como escritor.
La década de 1990 fue quizás la más rica en la historia del capitalismo estadounidense, un periodo marcado por la caída de los déficits presupuestarios gubernamentales y un auge bursátil sin precedentes que se prolongó durante la mayor parte del decenio. Con esta prosperidad de fondo y la Guerra Fría finiquitada, podría haberse esperado un acompañamiento acorde en la Ciencia Ficción, con su largo historial como reflejo del sentir de cada época. Sin embargo, curiosamente, la CF de esa década vino marcada por un desvío de las proyecciones optimistas. Las novelas, películas y series de televisión del género que aparecieron en los 90, o bien decían poco o nada sobre el futuro (como “Expediente X”) o bien anticipaban un porvenir problemático, significativamente más oscuro que el retratado en obras anteriores, como las series familiares norteamericanas y británicas de los 60.
Wes Anderson es un director que, desde su debut con el corto “Bottle Rocket” (1996) y con el paso de los años, ha ido haciéndose con una considerable legión de seguidores. Su filmografía incluye películas tan inclasificables como “Academia Rushmore” (1998), “Los Tenenbaums: una Familia de Genios” (2001), “Life Aquatic” (2004), “Viaje a Darjeeling” (2007), “Moonrise Kingdom” (2012), “El Gran Hotel Budapest” (2014) o “La Crónica Francesa” (2021). Previamente a “Asteroid City”, ya había tocado el cine de género con dos trabajos de animación stop-motion, “Fantástico Sr.Fox” (2009) e “Isla de Perros” (2018).
El del superhéroe es uno de esos raros productos que parece haber trascendido tiempo y espacio para convertirse en un icono familiar de la cultura popular mundial y la mitología moderna. Y, sin embargo, a pesar de su longevidad y la actual omnipresencia de estos personajes en comics, cine, televisión y todo tipo de merchandising, el género sigue siendo visto por muchos como superficial, unidimensional y maniqueo.
Luc Besson se dio a conocer en los años 80 gracias películas con un estilo muy personal, como “Subway” (1986) o “El Gran Azul” (1988). Su nombre se convirtió en sinónimo de éxito dentro del género de acción con dos títulos de gran éxito: “Nikita, Dura de Matar” (1990) y “León el Profesional” (1994). Poco después, empezó a manejar efectos especiales de última generación y grandes presupuestos con “El Quinto Elemento” (1997), film que anticipó la nueva e irregular dirección que seguiría su carrera en los siguientes veinte años. Sus incursiones en el cine con gran apoyo de efectos especiales oscilaron entre lo mediocre y lo olvidable, como “Juana de Arco” (1999) o “Arthur y los Minimoys” (2006), y productos algo más disfrutables como “Adele y el Misterio de la Momia” (2010) o “Lucy” (2014). Sin embargo, la mayoría de sus éxitos de este periodo vinieron de la mano de películas que no dirigió sino en las que intervino como productor, como “Distrito 13” (2004), “Transporter” (2002) y sus secuelas, “Venganza” (2008) y sus secuelas o “Colombiana” (2011) entre otras.
Si se aborda “Estación Once” ignorando su fuente literaria, lo más probable es que lo que uno espere ver sea otra serie post-apocalíptica que aprovecha la emergencia sanitaria del Covid-19 de 2020-2022. Desde luego, aquella tragedia condiciona en no poca medida el visionado de la obra pero lo cierto es que no hay nada de convencional ni predecible en “Estación Once”.
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En 2010, siete años después de “The Courtyard” y 84 después de la publicación de “Horror en Red Hook”, Alan Moore vuelve a la mitología lovecraftiana con una miniserie de cuatro números, también publicada por Avatar Press y dibujada por Jacen Burrows, con la diferencia de que en esta ocasión fue él mismo quien se ocupó del guion. Posiblemente, tenía la sensación de haber dejado sin desarrollar a su entera satisfacción algunas de las ideas exploradas en sus obras durante los años anteriores, pero su principal motivación fue algo más urgente y menos glamuroso: necesitaba dinero.
H.P. Lovecraft se ha convertido en un subgénero en sí mismo. Cuando la gente piensa en horror cósmico, monstruos con forma de calamar, descensos a la locura y prosa recargada sobre ciudades decadentes, colinas boscosas no tocadas por la civilización y espacios no euclidianos, la obra de Lovecraft es la primera que viene a la memoria. Su influencia en el género del terror y en la cultura popular ha sido inmensa y, por eso, cuando Avatar Press anunció en 2003 la publicación de “The Courtyard”, una miniserie de dos números en la que Alan Moore, una auténtica leyenda del comic, se internaba en el universo de Lovecraft, la expectación fue considerable.
David Bowie fue un artista en el pleno sentido del término, pero primero y sobre todo fue un artista de la autoimagen. Pocas figuras hay en el siglo pasado que se citen con mayor frecuencia en relación a su estilo personal y el efecto que tuvo sobre multitud de aspectos de la cultura popular, desde el vestuario masculino a la imagen de los héroes y villanos de CF y Fantasía.
“El Ser del Planeta X” fue para el año de su estreno, 1951, lo que “Cohete K-1” para 1950: una película de producción rápida y barata que superó a otras de mayor presupuesto en sus respectivos subgéneros.
Resulta difícil de creer, pero Ira Levin, para muchos uno de los mejores escritores de suspense del siglo XX, firmó sólo siete novelas en cuarenta y cinco años. Y no libros extensos; de hecho, uno de ellos es lo suficientemente breve como para clasificarse como novela corta. Aun así, su promedio sigue siendo de un libro cada seis años, una producción no al alcance de muchos escritores, sobre todo teniendo en cuenta que casi todos fueron un gran éxito de ventas y llevados al cine. Además, Levin era dramaturgo y compositor en su tiempo libre, así que no se aburría entre libro y libro.
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Con los decorados ya en construcción en los Estudios Pinewood de Londres, los productores no emplearon mucho tiempo en encontrar un sustituto para Ward: el joven genio de 28 años David Fincher, ganador de premios por cortos publicitarios y videos musicales y ansioso por debutar en el cine. Weaver recordaría luego la sintonía que tuvieron desde la primera entrevista, en la que ella le preguntó cómo veía el personaje de Ripley y él contestó: “Bueno, ¿qué te parece calva?”. “En ese momento, me enamoré de él”, dijo la actriz.
En 1986, “Aliens” recaudó 81 millones de dólares solamente en Estados Unidos y recibió abundantes críticas positivas, confirmando el estatus de James Cameron tanto de autor con un estilo propio como de director comercial. Gracias a él, la Fox contaba con una nueva franquicia que explotar una vez George Lucas había confirmado su decisión de no rodar por el momento una segunda trilogía de su “Star Wars”.
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Al término de la segunda temporada, Jonathan Dolgen, el jefazo de Paramount, convocó al equipo de producción de “Enterprise” y les dejó las cosas claras: la serie estaba teniendo graves problemas para retener su audiencia. Renovarían para una tercera temporada, pero era necesario probar algo nuevo. Brannon Braga y Rick Berman así lo hicieron: diseñar un arco central que diera coherencia a toda la temporada.
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En 1970, aparece serializado en “Spirou”, “El Éxodo”, una historia interesante por cuanto, de algún modo, supone un nuevo comienzo, algo extraño dado que la serie todavía era muy reciente y apenas se había desarrollado. Aunque esto quizá tenía una explicación.
Para transmitir a quien no la haya visto todavía la idea nuclear y atmósfera de “El Hoyo” (debut como director del vasco Galder Gaztelu-Urrutia, que se proyectó en Sundance y desfiló por varios festivales, ganó el de Sitges en 2019 y estuvo nominado a tres Goyas), podría establecerse un claro paralelismo con “El Cubo” (1997), un ingenioso thriller en el que un grupo de personas tenían que abrirse paso por un laberinto de estancias idénticas mientras iban descifrando el diabólico diseño de la estructura como única forma de sobrevivir.
Las revistas pulp, en su comienzo un fenómeno norteamericano, han recibido tradicionalmente muy mala prensa y habitualmente se les considera como un subproducto literario sin apenas méritos. Si bien es cierto que durante los años treinta hubo algunas revistas pulp de calidad ínfima, no se puede generalizar y, de hecho, antes y después de la Primera Guerra Mundial, estas publicaciones fueron merecedoras de gran interés y jugaron un papel importante en la cultura popular. Baratas y producidas con papel de bajo coste, siempre fueron consideradas como algo efímero y hoy en día no resulta fácil encontrar copias en buen estado de conservación.
Cuando “Psi-Factor: Crónicas de lo Paranormal” se estrenó en el mercado sindicado de la televisión norteamericana en otoño de 1996, los críticos la tacharon inmediatamente de clon aguado de “Expediente X”. Sin embargo, el origen de la serie fue bastante más complicado que el de un grupo de ejecutivos reuniéndose para parir una copia del éxito televisivo de turno.
Los Estados Unidos de los años 30 del siglo XX no han pasado a la historia por sus autómatas, pero en el periodo que medió entre el desplome bursátil de 1929 y el final del New Deal (el programa de medidas estatales contra la crisis económica instaurado por el presidente F.D.Roosevelt entre 1933 y 1938), cuatro robots humanoides hicieron giras recorriendo el país y convirtiéndose en el equivalente de la Gran Depresión a nuestras estrellas del rock.
Voltaire, pseudónimo de François-Marie Arouet (1694-1778), es, para muchos, el epítome del espíritu de la Ilustración. Liberal frente al conservadurismo de Swift, Voltaire rechazó la noción de "Providencia" como principio de validez social y defendió en cambio conceptos como el humanismo y la moral. En parte, expresó su filosofía política a través de comentarios escritos, historias y discusiones retóricas, pero hoy es más conocido por su aportación a lo que se conocía como "Contes Philosophiques", básicamente cuentos morales que ridiculizaban y cuestionaban actitudes y costumbres contemporáneas. El primero que escribió fue "Zadig" (1747), de sabor oriental, pero el más famoso en la actualidad es "Cándido o El optimismo" (1759), en el que hace observaciones tanto serias como humorísticas acerca de la brecha que se abre entre la visión optimista que del mundo tiene el protagonista (cuyo nombre refleja también su naturaleza) y las duras realidades de la vida en la Europa del siglo XVIII.
La ciencia ficción es un género que ofrece visiones de futuros potenciales, y es evidente que casi todos los medios de expresión artística han producido en alguna ocasión sus propias visiones del futuro, ya sea como pura concepción estética o como una prospectiva deliberada. Sin embargo, resulta sorprendente que rara vez veamos a la Moda como una forma legítima de exploración futurista, especialmente del último tipo indicado.
Octavio Paz calificó a “La Invención de Morel”, escrita por el argentino Adolfo Bioy Casares, como “sin exagerar… una novela perfecta”. De acuerdo con Borges (amigo íntimo y frecuente colaborador del autor) en el prólogo que escribió para su primera edición, “no me parece una imprecisión o una hipérbole calificarla de perfecta“. Ha influido en obras tan diversas como algunas de las firmadas por Gabriel García Márquez, el tambien seminal film francés “El Año Pasado en Marienbad” (1961, Alain Resnais) o la serie de televisión “Perdidos” (2004-2010). No han sido pocos las que la citan entre las mejores novelas de ficción fantástica. Y, por si eso fuera poco para llamar la atención de quien no la haya leído, el principal personaje, Morel, recibe su nombre del Doctor Moreau ideado por H.G.Wells, y el del principal personaje femenino, Faustine es un apropiado homenaje al Fausto de la clásica leyenda alemana.
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“El Aprendiz de Guerrero” (1986) presenta, por fin, a quien va a ser el héroe nominal de la saga, Miles Vorkosigan. Aunque Bujold la escribió inmediatamente después de “Fragmentos de Honor”, la acción de esta novela se ambienta una generación más tarde.
A partir de finales de los 90, aparecieron una serie de películas hechas por aficionados a la CF que abordaban el fenómeno fandom: “Trekkies” (1997), “Free Enterprise” (1998), “Héroes Fuera de Órbita” (1999), “Próxima” (2007), “Fanboys” (2008), “Comic-Con Episode IV: A Fan’s Hope” (2011) o “Paul” (2011). “Preguntas Frecuentes sobre Viajes en el Tiempo” (en adelante PFVT) es otra cinta –coproducida por HBO y BBC- que se encuadra en ese curioso subgénero mezclándolo con el arquetipo de los adultos inmaduros de clase obrera insatisfechos con sus insulsas vidas que se ha podido ver en tantos productos británicos (sobre todo en la Trilogía del Corneto de Edgar Wright).
En la antigua Grecia, la comedia de Aristófanes “Las Aves” describía una ciudad utópica localizada en el cielo llamada Nefelococigia, lo que literalmente significa “Ciudad de las Nubes y los Cucos”. En 1721, en “LosViajes de Gulliver”, Jonathan Swift imaginó la ciudad flotante de Laputa. En 1869, “La Luna de Ladrillo”, de Edward Everett Hale, describía un satélite artificial lanzado accidentalmente con personas a bordo que acababan adaptándose a la vida en órbita. Aunque todas estas historias se han citado como la primera visión que la Humanidad tuvo de una “estación espacial”, lo cierto es que se trataba tan solo de fantasías que no incorporaban conocimiento alguno de las auténticas condiciones físicas del espacio exterior ni de los problemas que implica vivir allí. Sería necesario un largo y arduo trabajo científico para convertir los sueños de ciudades en el cielo en una posibilidad real.
La ventaja de la animación es que con ella se pueden lograr cosas que no están al alcance de la imagen real y, además, a una fracción del coste de ésta. Aunque Netflix haya cerrado su propia división de animación, el gigante del streaming sigue encargando este tipo de proyectos a estudios externos, lo que demuestra que a corto plazo no va a renunciar a este medio. “Alégrame el Día”, producido en Japón por el estudio 5 Inc, es uno de esos productos.
Las películas japonesas de Godzilla conforman una de las series cinematográficas más longevas de todos los tiempos. Tanto es así, que la que ahora nos ocupa, “Godzilla Minus One”, es la entrega trigésimotercera y se estrenó poco antes del septuagésimo aniversario del primer film, “Godzilla” (1954).
El director francés Luc Besson fue el responsable de algunos de los mejores y más estilizados films de acción de los años 90, como “Nikita, Dura de Matar” (1990) o “León el Profesional” (1994), así como de otras cintas más infladas pero menos eficaces, como “El Quinto Elemento” (1997) o “Juana de Arco” (1999). A finales de esa década y comienzos de la siguiente, Besson asumió sobre todo el papel de productor, apoyando y habitualmente escribiendo proyectos para otros directores. “Distrito 13” fue uno de ellos.
Cuando uno piensa en comics de CF, lo más probable es que la escuela belga de la revista “Spirou” no sea lo primero que venga a la cabeza. Ello quizá se deba al eclecticismo temático del que siempre ha presumido esa cabecera (cuyas historias iban de la aventura a la fantasía pasando por el humor o el costumbrismo) así como a una orientación que muchos considerarían infantil-juvenil pero que, habida cuenta de su calidad global, yo prefiero calificar “para todos los públicos”. En cualquier caso, la revista sí dio origen a algunos personajes y series que pertenecen al género y que, además, demostraron una capacidad de supervivencia transgeneracional superior a muchos comics más laureados. Ahí tenemos, por ejemplo, a “Quena y el Sacramús”, “Yoko Tsuno” o “Jeremiah”, los tres con una ambientación, temática y dibujo completamente diferentes. “Los Hombrecitos” fue otra de esas series veteranas que merece la pena reivindicar.
“Hard Boiled” fue la obra de debut americano de Geof Darrow y se publicó cuatro años después de que la industria del comic de ese país experimentara una profunda transformación a tenor del impacto que causaron obras como “El Regreso del Caballero Oscuro” (1986), de Frank Miller, y “Watchmen” (1986), de Alan Moore. Este comic de ciencia ficción distópica asienta sus bases en esas obras y propone una exploración iconoclasta, radicalmente genial y desafiante de la violencia en el medio audiovisual.
Resulta trágicamente irónico que en la Era de la Información en la que supuestamente vivimos, existan tantos creyentes en las teorías conspirativas más absurdas que imaginarse pueda. Las razones para ello han sido abundantemente estudiadas por sociólogos, psicólogos y politólogos y van desde la sensación de poder que brinda el encontrarse en posesión de un supuesto conocimiento secreto sólo compartido por una élite de marginados pero “bien informados”, a la necesidad de dar sentido a un mundo complejo, a menudo caótico y sobre el que no tenemos ningún control.
Para algunos críticos, Irwin Allen no fue un narrador de historias, sino alguien obsesionado por el espectáculo. El creador de las más populares series de televisión de CF con espíritu pulp de los 60, sigue siendo visto por aquéllos como una especie de aberración, alguien más interesado en apelar a la –teóricamente- más sencilla audiencia infantil y aficionada a la fantasía que al público serio e intelectual que veía "La Dimensión Desconocida" (1959-1964), “Rumbo a lo Desconocido” (1963-1965) o "Star Trek" (1966-1969). Sin embargo, lo cierto es que había espacio para ambas aproximaciones en las parrillas de programación y público suficiente tanto para la CF política y reflexiva como para aquella centrada en la aventura y el espectáculo colorista.
David Lynch siempre ha tenido dificultades para sacar adelante sus proyectos. La producción de su primera película, “Cabeza Borradora” (1977) se prolongó cuatro años y estuvo lastrada por todo tipo de problemas, la mayoría de ellos relacionados con el dinero. Más de veinte años después, la realización de su quinto film, “Mulholland Drive” (2001) le llevó casi el mismo tiempo, aunque por razones completamente diferentes.
Para mucha gente, es imposible escuchar la palabra “mutante” y no pensar inmediatamente en los X-Men, el venerable grupo de superhéroes de Marvel creado en los 60 y devenido franquicia multimillonaria que ha dominado la cultura popular en las últimas décadas. Pero lo cierto es que el subgénero de mutantes es muy anterior en la CF, habiendo ofrecido auténticas joyas literarias, normalmente con personajes cuyas capacidades extraordinarias tenían que ver con la mente, un aspecto, claro, no tan llamativo como hombres que disparan rayos por los ojos o que se convierten en hielo, conceptos éstos que, bien realizados, resultan mucho más atractivos en el cine.
Entre la considerable cantidad de grandes autores de CF que surgieron en Estados Unidos durante los años 50, destacó uno con voz y estilo propios: Theodore Sturgeon. Si bien escribió solo media docena de novelas, sus cuentos ocupan volúmenes enteros y, aunque muchos de ellos no sobresalían respecto a la media de la literatura pulp de su tiempo, otros tantos son lo suficientemente extraños como para haber gozado del beneplácito de Philip K.Dick. La mayoría de sus mejores ficciones transcurrían en “nuestro” mundo, introduciendo tan solo un elemento disruptor, por ejemplo, los poderes mentales.
Hubo un tiempo, en la década de los 80, en el que pareció que Marvel y DC podrían evolucionar lentamente hacia algo parecido a editoriales de libros convencionales: compañías que firmaran con los creadores contratos justos respecto a derechos sobre sus obras y que obtuvieran sus beneficios de la publicación de nuevos comics en lugar de explotar hasta la extenuación propiedades intelectuales con décadas de antigüedad.
Un callejón oscuro detrás de un complejo de apartamentos en Neon Valley Street. Dos figuras corriendo cogidas de la mano, una humana y la otra androide. El zumbido de las motosierras y el crepitar de las electrodagas… Esta imagen evocadora es el inicio de la historia de Cindi Mayweather, narrada con lirismo por Janelle Monáe: cantante, poeta, soñadora, profeta, feminista, pansexual, afrofuturista…
Existen innumerables razones para sentirse inseguro ante el auge de las IAs, pero si encima imaginamos una cuya misión sea sumergirse en los rincones más oscuros y perversos del alma humana, las consecuencias pueden ser impredecibles. Esa es la idea nuclear de “The Artifice Girl”, un drama de CF que ganó el premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine Fantasia celebrado anualmente en Montreal.
