1979- ALIEN - Ridley Scott (1)

A comienzos de los años cincuenta del siglo XX se produjeron varios films de CF que gozaron de la aceptación de un público muy amplio, como “Destino la Luna”, “Ultimátum a la Tierra” o “Planeta Prohibido”; pero al final de esa misma década la calidad literaria y técnica de las películas de ese género cayó en picado (“Cavernícola adolescente” o “The Attack of the 50 Foot Woman, ambas de 1958, son dos buenos ejemplos), cine de consumo que los adolescentes los pudieran ignorar mientras metían mano a sus novias en los autocines. Cuando el género volvió a remontar veinte años más tarde con “Star Wars” y “Encuentros en la Tercera Fase”, Hollywood volvió a cometer los mismos errores: apoyados e instigados por los propios cineastas, los estudios se tomaron los films de CF como potenciales taquillazos a los que había que empujar a base de efectos especiales.

Mientras tanto, los temas que habían dominado la CF en los sesenta y setenta, más orientados al ámbito social, humano y ambiental, dejaron paso otra vez a las estrellas y los alienígenas, a la sensación de maravilla y esperanza gracias a la relación de bondadosos alienígenas con niños (ET) o ancianos (Cocoon).

Las producciones de CF rodadas en Hollywood habían pasado a ver a los alienígenas como seres misteriosos, pero esencialmente buenos. Dos películas de Steven Spielberg marcaron el cénit de esta aproximación: “Encuentros en la Tercera Fase” (1977) comienza con un planteamiento oscuro y amenazador, pero acaba con un final azucarado y musical en los que extraterrestres de aspecto infantil se mezclan despreocupadamente con los humanos.

Más éxito aún cosechó “E.T.el Extraterrestre” (1982), con una criatura desagradable (una especie de tortuga sin caparazón y superinteligente) que consiguió sin embargo enternecer a millones de personas. El sentimental “Starman” (John Carpenter, 1984) y el aún más melifluo “Cocoon” (Ron Howard, 1985) son otros dos ejemplos de esta corriente, inferiores a las películas de Spielberg y ya fuera de su época, porque lo cierto es que a mediados de los ochenta lo que volvía a llevarse eran los alienígenas malvados… gracias a “Alien”.

El terror y la CF han ido de la mano desde los primeros tiempos del cine y muchos de los mejores films de CF han sido híbridos: desde “Frankenstein” (1931) hasta “La Mosca” (1986), pasando por “Alien”. La mayoría de expertos admiten que el origen de “Alien” se encuentra en un relato corto titulado “Black Destroyer”, escrito por A.G.Van Vogt, uno de los principales autores de la conocida como Edad Dorada de la CF, y que apareció publicada en la revista Astounding Science Fiction en 1939. En los años setenta, dos jóvenes realizadores recién graduados en cinematografía, John Carpenter y Dan O´Bannon realizaron “Dark Star”, una comedia espacial con alienígena incluido. O´Bannon quería utilizar la base de la historia para reconvertirla en un thriller más ambicioso y se puso en contacto con Ronald Shussett. Ambos escribirían juntos el primer borrador de la historia que crecería hasta convertirse en “Alien”.

“Alien” comienza a a bordo de un enorme transporte minero bautizado con el nombre de Nostromo. Despertados de su hibernación por una llamada de auxilio de origen extraterrestre, la tripulación llega a un planeta en el que encuentran los restos de una nave en cuyo interior se alojan numerosos huevos. De uno de estos huevos sale rápidamente un repugnante ser que se adhiere a la cara de Kane (interpretado por John Hurt). Transportado a la nave con el alienígena pegado al rostro, éste finalmente se desprende y muere. Kane parece sano, pero en realidad el alien ha insertado una larva en su pecho, que emerge sangrientamente en una escalofriante escena que ha pasado a la historia del cine.

La criatura no tarda en convertirse en una eficaz máquina de matar de dos metros de aspecto insectoide, carnívoro, y por cuyas venas fluye no sangre, sino ácido. Los miembros de la tripulación, uno a uno, van siendo asesinados por la criatura hasta que sólo queda uno, la oficial Ellen Ripley (Sigourney Weaver). Los minutos finales de la película, con una Ripley desesperada corriendo por los pasillos de la nave a punto de autodestruirse, tratando de alcanzar la cápsula de salvamento, son tan intensos que James Cameron los utilizó como modelo para marcar el ritmo de casi toda su pelicula “Aliens” (1986), continuación de la que estamos comentando.

Esta era la historia, pero no fue fácil encontrar un estudio que la quisiera producir. La CF no había despegado todavía en la gran pantalla y seguía siendo un género que las productoras miraban con recelo y, en el mejor de los casos, como producción de serie B. Y entonces llegó el huracán de “Star Wars” y las dudas sobre la CF se disiparon. Había que aprovechar el tirón rápidamente y el único guión de CF que la 20th Century Fox tenía sobre la mesa era “Alien”.
Encontrar un director para la película fue otro problema. Ningún realizador de primera fila (Walter Hill, Robert Aldricht, Peter Yates) se tomaron el proyecto en serio. Los productores encontraron entonces un director británico de anuncios televisivos que había debutado recientemente en el cine con una película titulada “Los duelistas”, ganadora de un premio en el festival de Cannes: Ridley Scott. El inglés no se lo pensó dos veces e inmediatamente aceptó y se puso manos a la obra.

Resulta curioso que en su momento se criticara a Alien por no ser “auténtica” ciencia ficción (sea lo que sea lo que esto signifique), aunque siempre se la trató con mucho más respeto que a, por ejemplo, “Star Wars”. Esto fue en parte así por la violencia de sus escenas, que excluían una audiencia infantil: no se había visto hasta ese momento nada como aquel monstruo, y cuando la repugnante larva surgió entre chorros de sangre del pecho de Kane, el público gritaba en las salas de cine. Haría falta la habilidad de James Cameron en hacer que los espectadores suden adrenalina para igualar (“Aliens”, 1986) el impacto de esta primera película de la saga.
Pero esa consideración otorgada a la película fue también debida a los originales diseños del artista suizo Hans Ruedi Giger cuya obra había sido motivo de varias exposiciones además de publicarse en varios libros, el más famoso de ellos titulado “Necronomicon” (1975). Fueron dos pinturas de ese libro, “Necronom IV” y “Necronom V”, las que llamaron la atención de O´Bannon y Scott convenciéndoles para contratar el talento del extraño artista (aun cuando la Fox expresó sus reservas debido a lo repulsivo que resultaba el alienígena).

Los diseños que Giger realizó para la película desarrollaron su ya inconfundible estilo siniestro, retorcido –“biomecánico”, lo bautizó su autor- centrado en barrocas imágenes de seres, humanoides o no, que parecen haberse fusionado con máquinas. Sus enfermizas visiones se plasman generalmente en pinturas acrílicas de tono oscuro con muchos brillos, que resaltaban las sinuosas formas semibiológicas de inspiración sexual e inspiradoras de una sensación de muerte y violencia. Cuenta Dan O´Bannon que cuando conoció por primera vez a Giger en París, éste le ofreció opio. “¿para qué tomas eso?”, le preguntó O´Bannon; “me asustan mis visiones”, le respondió el suizo; “Sólo están en tu mente”, intentó consolar el americano. “Eso es lo que me da miedo” afirmó Giger. Esta anécdota puede dar una idea de la mente que dio a luz la criatura alienígena.

Giger el alien en sus diferentes estadios (huevo, larva y adulta) a partir de las ilustraciones mencionadas, así como la nave extraterrestre, su interior y el planeta en el que se había estrellado. Su trabajo revolucionó hasta tal punto el aspecto visual de la CF cinematográfica que ganó un Oscar a los mejores efectos visuales de aquel año.
Aunque la genial dirección de Scott sobresalta con sus golpes de efecto a todo aquel que ve la película por primera vez, subsiguientes visionados pierden impacto. Por el contrario, los geniales diseños de Giger no han perdido un ápice de fuerza y continúan siendo merecedores de revisitación regular. Su criatura no ha sido desbancada por ninguno de la larga lista de monstruosos alienígenas que desde entonces han ido desfilando por la gran pantalla, desde el Predator de Mctiernan hasta los velocirraptores de Spielberg. La relación de Giger con el resto de la serie de películas de la saga ha sido más irregular: James Cameron prescindió de su talento en “Aliens” mientras que algunos diseños menores de Alien 3 fueron suyos.

La morfología del monstruoso alien ha sido interpretada metafóricamente en los campos más diversos, desde el racismo hasta el feminismo. Por ejemplo, críticos feministas como Barbara Creed, han revisado el film como un ambiguo símbolo de feminidad, resaltando todos los aspectos de puesta en escena que recuerdan el cuerpo femenino: salas como úteros, corredores como trompas de Falopio, pequeños espacios claustrofóbicos… Creed argumenta que en la cultura de finales del siglo XX el cuerpo, especialmente el femenino, se había convertido en sinónimo de lo desconocido, lo aterrador, lo monstruoso; esta fusión de fascinación-repulsión por las formas orgánicas, según esta interpretación, explicaría al menos en parte el éxito de “Alien”. Quizá no haya que llevar las cosas tan lejos, pero, ciertamente, a pesar del diseño industrial del Nostromo, las referencias orgánicas son continuas: desde la apertura del film, con una cámara deslizante por una nave dormida; los sonidos rítmicos del motor asemejándose a un corazón; los miembros de la tripulación emergiendo de las cámaras de hibernación como si estuvieran naciendo; la forma de útero del ordenador central (llamado, por cierto, MADRE), las entradas a la nave alienígena en forma de vagina o las posteriores imágenes viscerales y muy físicas relacionadas con el propio alien.

((Continúa en la siguiente entrada))